tag:blogger.com,1999:blog-67236982783726491872024-03-21T19:34:10.958-05:00Postales de JazzUnknownnoreply@blogger.comBlogger41125tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-92149484631901280122021-06-30T17:41:00.000-05:002021-06-30T17:41:13.698-05:00IMPRESIONES SOBRE JAZZ, 2 - Blues for Dracula, de Philly Joe Jones<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyMyjv7KiEIkVb_Nb2jEU2Cl6M73RWONLJlH8CPVyitXfvsikxlyoIj8OWYzFjso2F6f9elAcoGlPHbWQvy22IXSuvvyHpPsqqlr0jYL-xqB3DNU2zRzJmukxWL8O8HOZOL_euj48zH8w/s325/pjjdracula.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="325" data-original-width="323" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyMyjv7KiEIkVb_Nb2jEU2Cl6M73RWONLJlH8CPVyitXfvsikxlyoIj8OWYzFjso2F6f9elAcoGlPHbWQvy22IXSuvvyHpPsqqlr0jYL-xqB3DNU2zRzJmukxWL8O8HOZOL_euj48zH8w/w398-h400/pjjdracula.jpg" width="398" /></a></div><span style="font-size: large;">¿Existe algún punto de contacto entre la inmortal novela <i>Drácula</i>, de <b>Bram Stoker</b>, y el jazz? La respuesta, por raro que parezca, es afirmativa, por lo menos si nos atenemos al extraño disco de debut como líder que el batería <b>Philly Joe Jones</b> grabó en 1958 para Riverside bajo el título de <i><b>Blues for Dracula</b></i>. Y la relación entre el vampiro de Transilvania y el jazz no se queda solamente en esa curiosa portada en la que Drácula tiene en sus manos unas baquetas y toca la batería, sino que continúa una vez que ponemos la aguja sobre los surcos del álbum. Lo que escuchamos en un delirante monólogo del propio Jones en el que imita a <b>Bela Lugosi</b> y se presenta como "el vampiro del bebop". Pero una vez que termina esta pequeña locura, la música que contiene este disco es notable y nos presenta al batería en una formación de sexteto en la que brillan <b>Nat Adderley</b> (corneta), <b>Julian Priester</b> (trombón), <b>Johnny Griffin</b> (saxo tenor), <b>Tommy Flanagan</b> (piano) y <b>Jimmy Garrison</b> (contranajo). De Philly Joe Jones y este disco sazonado por el blues hablo en este vídeo que conforma la segunda entrega de mis <b>Impresiones sobre Jazz</b>.</span><p></p><p><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/w5cGT8Var94" width="320" youtube-src-id="w5cGT8Var94"></iframe></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-21288571537661463092021-06-27T18:14:00.001-05:002021-06-27T18:14:06.871-05:00IMPRESIONES SOBRE JAZZ, 1 - Ike Quebec<p><span style="font-size: large;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: large;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgneuDvrtBdMEYRVTdJ05-jZcswlxI4n3KJFrI3ogObqqDbdGQ-7w9QyuxYP9AgTkAkbYChACrZ21zxTtWeaLG0UEgQPKUNRCt66gjBpblw3cIdPWFdY8UDwhY3OnKTkrH6DZYahjttJwM/s1200/quebec.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="699" data-original-width="1200" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgneuDvrtBdMEYRVTdJ05-jZcswlxI4n3KJFrI3ogObqqDbdGQ-7w9QyuxYP9AgTkAkbYChACrZ21zxTtWeaLG0UEgQPKUNRCt66gjBpblw3cIdPWFdY8UDwhY3OnKTkrH6DZYahjttJwM/w400-h233/quebec.png" width="400" /></a></span></div><span style="font-size: large;">Tras varios años de silencio, en los que por supuesto no he dejado de escuchar jazz, sino que esta música me ha seguido acompañando diariamente, y en los que me he dedicado sobre todo a crear contenido de diverso tipo para mi canal de YouTube, regreso hoy a <i>Postales de Jazz</i> precisamente dando inicio a una serie de vídeos que pueden encontrarse en dicho canal. Se trata de <i><b>Impresiones sobre Jazz</b></i>, cuyas entregas ofrecen un acercamiento crítico a algunos músicos de jazz de menor renombre pero que a mí me parecen imprescindibles. En cada vídeo, de alrededor de unos veinte minutos de duración, hablo acerca de la vida y la carrera de estos músicos y comento y recomiendo algunos de sus discos que considero de mayor interés.<br /></span><p></p><p><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p><span style="font-size: large;">La primera entrega de estas <i>Impresiones</i> se centra en <b>Ike Quebec</b>, un excelente saxofonista que en los años 60 grabó un puñado de magníficos discos para Blue Note como <i>Blue and Sentimental</i> (sobre el que ya he escrito en estas <i>Postales de Jazz</i>), <i>It Might as Well Be Spring</i>, <i>Heavy Soul</i> o <i>Soul Samba</i>. Espero que sea de su agrado esta nueva serie de vídeos que, a través de estas entradas, iré trayendo periódicamente a <i>Postales de Jazz</i>. Un saludo desde Tennessee y bienvenidos de nuevo al blog.</span></p><p><span style="font-size: large;"><br /></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/rguL_CJi6ao" width="320" youtube-src-id="rguL_CJi6ao"></iframe></div><br /><span style="font-size: large;"><br /></span><p></p>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-42681981008396736392018-08-08T11:58:00.000-05:002018-08-08T11:58:10.497-05:00Nancy Wilson - Yesterday's Love Songs, Today's Blues<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguykkdRmUaNqIiCvXYcCzJXuWwkbGJTnwabuQ1QT2ILw3l8gtRL6o0cJ6ZkIzB_xvbk9iQRNc24ZgqKUFh8dYBuWv_af6fgiYOtLspmhgFZU0brYPCnR6vFoeil7tq3WHVBIKEw-UrI3A/s1600/nancywilsonlp.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="486" data-original-width="500" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguykkdRmUaNqIiCvXYcCzJXuWwkbGJTnwabuQ1QT2ILw3l8gtRL6o0cJ6ZkIzB_xvbk9iQRNc24ZgqKUFh8dYBuWv_af6fgiYOtLspmhgFZU0brYPCnR6vFoeil7tq3WHVBIKEw-UrI3A/s320/nancywilsonlp.jpg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Capitol, 1963</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Resulta difícil escoger solamente un disco entre los muchos que la vocalista <b>Nancy Wilson</b> grabó para el sello Capitol, especialmente durante la década de los 60, pues álbumes como <i>Something Wonderful</i> son, como ya indica el título, una verdadera maravilla, por no hablar de sus colaboraciones con <b>Hank Jones</b>, <b>Cannonball Adderley</b> (éste es el que suele preferir la crítica) o <b>George Shearing</b>, que ponen el listón muy alto. Sin duda, uno de los más olvidados es <i><b>Yesterday's Love Songs, Today's Blues</b></i>, un magnífico trabajo junto al arreglista <b>Gerald Wilson</b> registrado en octubre de 1963, cuyo concepto básico es la confluencia de baladas de amor clásicas del Songbook americano y canciones algo más actuales teñidas de blues. Entre las primeras encontramos <i>standards</i> como "The Song Is You", "The Very Thought of You" o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=-S_fe3ZE7og" target="_blank">"Someone to Watch over Me"</a>; entre las segundas se cuentan "Sufferin' with the Blues", <a href="https://www.youtube.com/watch?v=YajKJJzbmXw" target="_blank">"The Best Is Yet to Come"</a> o "Send Me Yesterday".</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivJIGWl2dAOh_bGBHRL_Cz2zDnR9u_9i_L41dIAaPbIAWUpcDvye-m7nRtOUUQaZsGjKMmxZFh00LMiM-cumbdQVG_b4GueVeKjZBDmypE_dK3RZV_8G5FC994HF9Ob6AU04zB1XDiLTA/s1600/nancywilson.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="1119" data-original-width="954" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivJIGWl2dAOh_bGBHRL_Cz2zDnR9u_9i_L41dIAaPbIAWUpcDvye-m7nRtOUUQaZsGjKMmxZFh00LMiM-cumbdQVG_b4GueVeKjZBDmypE_dK3RZV_8G5FC994HF9Ob6AU04zB1XDiLTA/s320/nancywilson.jpg" width="272" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">A lo largo de todo el disco, la cantante de Chillicothe (Ohio) parece sentirse muy a gusto en ambos contextos, y los originales y a veces complejos arreglos de Gerald Wilson están construidos a su medida, siempre con el denominador común del <i>swing</i>, elemento del que se hace uso también en las canciones de amor, que en un principio deberían ser más lentas que los blues. Queda aquí patente la influencia de otras cantantes contemporáneas como <b>Dinah Washington</b> o <b>Carmen MacRae</b> sobre Wilson, que suena muy sugerente en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=TFbfLu1K2xI" target="_blank">"Satin Doll"</a> (con la ayuda de un saxo tenor tocado por nada más y nada menos que <b>Harold Land</b>) y que resucita piezas a veces infravaloradas pero de indudable calidad, como el <a href="https://www.youtube.com/watch?v=hxQxmLWIkOY" target="_blank">"All My Tomorrows"</a> de <b>Sammy Cahn</b> y <b>Jimmy Van Heusen</b>, generalmente asociado con <b>Frank Sinatra</b>, o "Never Let Me Go", tema interpretado también magistralmente por <b>Nat King Cole</b>. Por momentos brillan en el álbum las trompetas de reputados músicos de sesión como <b>Carmell Jones</b> o <b>Al Porcino</b>, y Wilson se adentra incluso en el terreno del soul con una versión sorprendente del clásico de <b>Percy Mayfield</b> <a href="https://www.youtube.com/watch?v=FMDIz7-7gfo" target="_blank">"Please Send Me Someone to Love"</a> que unos seis años antes había grabado el gran pianista <b>Red Garland</b> en uno de sus mejores discos.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2QaXjBiIuo-1IeCOF-CkwQyi3HC5nppN8fmbGr9hwANvUhRgSqp0lFe7XwGJZMePvdOU3jfpmHW0ktKb6jiALUe4EcrQdgtzmUcquzZzs21PF56-KyGRYiOKeeiZdnFeJgOl8gxNSbTY/s1600/geraldwilson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="956" data-original-width="1400" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi2QaXjBiIuo-1IeCOF-CkwQyi3HC5nppN8fmbGr9hwANvUhRgSqp0lFe7XwGJZMePvdOU3jfpmHW0ktKb6jiALUe4EcrQdgtzmUcquzZzs21PF56-KyGRYiOKeeiZdnFeJgOl8gxNSbTY/s400/geraldwilson.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El arreglista Gerald Wilson.</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzMnRKK5_rC2MogSZnxsyqkozYI4l6IQraKm2_QDG69pgj8tDdQmUD5SKXCKyuCsuTMAjpG_awS91FhyphenhyphenEi9kTvXertYefWhzggc4zOswtCqKdpeVPKI4kjC3k7xbGKoW96JO5llm7_L_o/s1600/carmelljones.png" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="495" data-original-width="379" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzMnRKK5_rC2MogSZnxsyqkozYI4l6IQraKm2_QDG69pgj8tDdQmUD5SKXCKyuCsuTMAjpG_awS91FhyphenhyphenEi9kTvXertYefWhzggc4zOswtCqKdpeVPKI4kjC3k7xbGKoW96JO5llm7_L_o/s320/carmelljones.png" width="245" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El trompetista Carmell Jones.</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">La reedición en CD de 1991, que es la que manejo, añade cinco temas extra que siguen más o menos la misma línea que los 12 del elepé y que también fueron arreglados por Gerald Wilson. Además de una versión de la navideña <a href="https://www.youtube.com/watch?v=G1YbfCQmr4o" target="_blank">"What Are You Doing New Year's Eve"</a> grabada en octubre de 1963, los otros cuatro cortes provienen de una sesión registrada en marzo del mismo año con el organista <b>Wild Bill Davis</b> y el guitarrista <b>Joe Pass</b>. Arropada por Davis, en esta sesión Wilson camina con decisión por un territorio bluesero, en especial en su excelente interpretación vocal del <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lt8wGW0P10g" target="_blank">"West Coast Blues"</a> de <b>Wes Montgomery</b>, y las cuatro canciones (una de ellas, "My Sweet Thing", de la autoría de la propia Nancy junto con Gerald Wilson y <b>Teddy Edwards</b>) no desmerecen del resto de las incluidas en el vinilo original. En su <i>Biographical Guide</i>, el crítico <b>Will Friedwald</b>—que firma, por cierto, las notas de la reedición de este disco en CD—ha escrito que en la mayor parte de los álbumes que editó con Capitol en la década de los 60, Nancy Wilson "va pasando de lo bueno a lo excelente", y que al menos media docena de ellos deben considerarse clásicos del jazz vocal. Suscribo sin reservas esta opinión de Friedwald, y no me cabe la menor duda de que este <i>Yesterday's Love Songs...</i> debe figurar entre esa media docena (¿no serán más, en realidad?) de discos imprescindibles de Wilson, una cantante que, entre otras cosas, se distingue por haber realizado colaboraciones con músicos de gran calibre en las que ha obtenido notables resultados artísticos.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/Vy4YvDBGRo0/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/Vy4YvDBGRo0?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-70845624023732123652018-07-19T16:06:00.001-05:002018-07-19T16:06:55.822-05:00Woody Shaw - Tokyo '81<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNWJgB8ZtT6lqAvz5-lVJNY8DxfCvDEkq6mvMPHE0E18UsTMy8vsE_pC4oNfFSW-Ay_Ay5cVPSiCnv1VAu_AzBCMzWiE1SzkcwOzD6A8MwyPPhnFaud99UzVbztBGkMMDrLhjtFY3IpDg/s1600/shawtokyo.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="323" data-original-width="355" height="291" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiNWJgB8ZtT6lqAvz5-lVJNY8DxfCvDEkq6mvMPHE0E18UsTMy8vsE_pC4oNfFSW-Ay_Ay5cVPSiCnv1VAu_AzBCMzWiE1SzkcwOzD6A8MwyPPhnFaud99UzVbztBGkMMDrLhjtFY3IpDg/s320/shawtokyo.jpg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Tras una reciente mudanza a Jackson (Tennessee), regresa Postales de Jazz con esta reseña de un disco en directo del trompetista Woody Shaw publicado hace muy poco por el sello europeo Elemental Music. Agradezco a mi amigo Guy Jones el haberme anunciado la edición de este excelente álbum.</i></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Elemental Music, 2018</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Como su título, <i><b>Tokyo '81</b></i>, ya indica, este nuevo disco editado a la vez en CD y en vinilo por <a href="http://www.elemental-music.com/" target="_blank">Elemental Music</a> presenta un concierto grabado en la capital japonesa en 1981 en el que <b>Woody Shaw</b> aparece al frente de un quinteto de lujo junto a <b>Steve Turre</b> al trombón y a la percusión, <b>Mulgrew Miller</b> al piano, <b>Stafford James</b> al contrabajo y <b>Tony Reedus</b> a la batería. Shaw toca tanto la trompeta como el fliscorno, y el repertorio, en el que se dan cita cuatro composiciones del trompetista, una de Miller y el estándar "'Round Midnight" de <b>Thelonious Monk</b>, es tan atractivo como accesible pese a la complejidad y profundidad de algunas de las piezas.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgHoEHNh0BNTigTOAZKFhNJIYrs6ijO98I5xEQPQQC0JEc9V_xC3VEhBWnGeOne368YRjq5WkDz6CI-9AcHhbkcMO74tgX85Q0RmFVo0JOG3xlo0qFyISIThNTC5cFmxxUx2i_6SBRIf0/s1600/shaw.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1199" data-original-width="1600" height="239" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgHoEHNh0BNTigTOAZKFhNJIYrs6ijO98I5xEQPQQC0JEc9V_xC3VEhBWnGeOne368YRjq5WkDz6CI-9AcHhbkcMO74tgX85Q0RmFVo0JOG3xlo0qFyISIThNTC5cFmxxUx2i_6SBRIf0/s320/shaw.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Woody Shaw</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">El quinteto abre el concierto con una extensa versión del "Rosewood" de Shaw que supera los diez minutos y que va a marcar la pauta de lo que encontraremos en el disco: jazz al más puro estilo de Shaw con amplias oportunidades para que brille con luz propia no sólo el líder, sino también cada uno de los músicos participantes. Si con este primer corte intuimos que nos hallamos ante algo muy especial, dicha intuición se confirma con la maratoniana versión de "'Round Midnight", una verdadera joya de más de quince minutos que muestra la capacidad de invención de la banda, así como la impresionante riqueza de una composición de Monk ya tan interpretada que es muy difícil sacarle nuevas aristas como lo hacen aquí Shaw y los suyos. En manos de estos músicos, la pieza destila momentos suaves e intimistas que se conjugan con otros más acelerados y enérgicos, y los solos de Shaw, Miller y Turre son ejemplos perfectos de las inagotables ideas musicales del quinteto. En "Apex" se incrementa considerablemente el tempo, y esta composición de Mulgrew Miller, cuyo piano adquiere una enorme prominencia, inspira a Turre y, sobre todo, a Shaw para ir tejiendo solos desenfrenados y de intensa imaginación.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEig8v67IME_Ty34tE82NcNhFSyQSmqspGM03jcB-6CkVVRG1B2dg7w2duMTzWJiBbjQVBbL6e0yTBec6qZu2k5IjBSemJs-xs8mcWp2TQnXdzT-R2PlVHM0KRn3kMAq8JOVlutzvs3qQU4/s1600/mulgrewmiller.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="627" data-original-width="800" height="250" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEig8v67IME_Ty34tE82NcNhFSyQSmqspGM03jcB-6CkVVRG1B2dg7w2duMTzWJiBbjQVBbL6e0yTBec6qZu2k5IjBSemJs-xs8mcWp2TQnXdzT-R2PlVHM0KRn3kMAq8JOVlutzvs3qQU4/s320/mulgrewmiller.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El pianista Mulgrew Miller</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">"From Moment to Moment" es una excelente balada de un Shaw a la vez melancólico y apasionado, bien arropado por la sección rítmica y con un memorable aunque breve solo en el que Turre explora los registros más graves del trombón. Sin duda, la más experimental—y también la más larga—de las piezas es "Song of Songs", compuesta por Shaw y con una introducción que contiene un diálogo disonante entre el piano y la trompeta que está envuelto en el sonido de los platillos de la batería de Reedus. Esta extensa revisión del tema que da título a un disco de Shaw de 1972 supera los dieciséis minutos y se revela como una de las interpretaciones más frescas del disco, en la que Shaw exprime al máximo las posibilidades expresivas de la melodía. Para terminar, el breve "Theme for Maxine" sirve como coda que permite al líder presentar a los miembros de la banda y poner punto y final a un concierto que no tiene desperdicio. Hay que agradecer efusivamente la recuperación de esta grabación inédita de Shaw—que en su versión en CD incluye "Sweet Love of Mine", un corte extra con una banda distinta registrado en La Haya en 1985—al sello europeo Elemental Music, que se autodefine como "un nuevo sello que se especializa en editar grabaciones de jazz de archivo descubiertas recientemente o que están descatalogadas". Esperemos que esta compañía continúe publicando con regularidad grabaciones de la calidad y del interés de este concierto de principios de los 80 de Shaw.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhviVTT7Qvx8K9fKSiB0hUPvRaUo7lMkmJ_PCvOGd3zaIpNSjRgGhydxUFAcWOlsQPRSW1Ky2-xSdjmxXDLzvGenUJPLZdqmo320wEAIcefTujwq_JvYdcDGA81vCVxsePn3BTTXmMHPHU/s1600/steveturre.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1072" data-original-width="1600" height="267" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhviVTT7Qvx8K9fKSiB0hUPvRaUo7lMkmJ_PCvOGd3zaIpNSjRgGhydxUFAcWOlsQPRSW1Ky2-xSdjmxXDLzvGenUJPLZdqmo320wEAIcefTujwq_JvYdcDGA81vCVxsePn3BTTXmMHPHU/s400/steveturre.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El trombonista Steve Turre</td></tr>
</tbody></table>
Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-53562881137568864972018-05-14T10:50:00.000-05:002018-05-14T10:50:08.867-05:00El jazz de Fred Elizalde<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqdvd9hPwAy-vOZksj5GAaP1O62hbPYveWbHsGxp73ikEZT3b1HjrrQ0t2NWUq_LjoZFgih1Z6eZphjTCiL9x5liKoIpNb2hC2MG9qMhRHMmJXOHslpTaZ1cngm0vtSQljfBzw88OIWNQ/s1600/elizalde.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="236" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqdvd9hPwAy-vOZksj5GAaP1O62hbPYveWbHsGxp73ikEZT3b1HjrrQ0t2NWUq_LjoZFgih1Z6eZphjTCiL9x5liKoIpNb2hC2MG9qMhRHMmJXOHslpTaZ1cngm0vtSQljfBzw88OIWNQ/s320/elizalde.jpg" width="251" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Lo he dicho en más de una ocasión: en España se tiende a considerar, a menudo erróneamente, que los movimientos artísticos y culturales llegan siempre con retraso. Si bien en algunas ocasiones esto es cierto, en muchas otras no lo es. Tal es el caso del jazz, que arribó a territorio español, en particular a las ciudades de Madrid y Barcelona, prácticamente al mismo tiempo que a otras capitales europeas como París o Londres, hacia finales de la década de 1910 y principios de la de 1920. Es más, incluso en aquellos ya lejanos primeros años del jazz, España llegó a exportar talento jazzístico, por mucho que esto se ignore hoy en día. Y como ejemplo tenemos al gran—aunque en la actualidad notablemente olvidado—pianista, compositor y director de orquesta <b>Fred Elizalde</b>. Nacido en Manila en 1907, su verdadero nombre era Federico y sus padres eran españoles afincados en las Islas Filipinas. Desde muy tierna edad, Elizalde demostró aptitudes para la música, algo en lo cual su familia lo apoyó enviándolo al Real Conservatorio de Madrid. Pero ya desde muy joven quedó claro que iba a convertirse en un verdadero trotamundos, estudiando en Inglaterra y en los Estados Unidos, donde se enamoró del jazz y formó su primera orquesta tras estudiar nada más y nada menos que con el compositor suizo <b>Ernest Bloch</b> en la Universidad de Stanford.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqQDkbbfumjRyLaXPkithpzE25oAxqxelout6piwd91GdQ7M5pa0zxUmrKUNZDpYZ5qUChaXfNDk4atfzBx2tnyz4SGEfsHDlPW0JnGZnfKg6jyOgXZcXHr8p9NWnjgMcsrzWVYawQF88/s1600/adrianrollini.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="386" data-original-width="300" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjqQDkbbfumjRyLaXPkithpzE25oAxqxelout6piwd91GdQ7M5pa0zxUmrKUNZDpYZ5qUChaXfNDk4atfzBx2tnyz4SGEfsHDlPW0JnGZnfKg6jyOgXZcXHr8p9NWnjgMcsrzWVYawQF88/s320/adrianrollini.jpg" width="248" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El saxofonista Adrian Rollini</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Con esta banda obtuvo sus primeros éxitos en el Biltmore Hotel de Los Ángeles, pero pronto regresaría a Europa para estudiar derecho en Cambridge. Sin embargo, su principal interés seguía siendo la música, y no tardó en concentrarse en su faceta como <i>jazzman</i>, dirigiendo varias orquestas en cuyas filas se daban cita algunos de los mejores músicos ingleses y estadounidenses del momento (el legendario saxofonista <b>Adrian Rollini</b> era uno de ellos), tocando en el Savoy Hotel londinense y llegando a realizar una serie de grabaciones muy populares para sellos como Brunswick o Columbia. Su paso por el Savoy, donde se presentó con una de las mejores bandas que se prodigaron en el famoso hotel, estuvo envuelta en cierta polémica, pues algunos de los clientes más conservadores no apreciaron el estilo moderno de los arreglos de Elizalde, lo cual lo llevaría a rescindir el contrato. Pero revistas musicales de prestigio como el Melody Maker alabaron el sonido de la orquesta, y por fortuna, quedan los registros fonográficos como prueba de su calidad musical.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB4AejhIOhVC3Zq_oc8PpHBIU3w2WJ9QdcwqAOiTxsrVd1v-NK3zBCAndmRgLCP8G3LEXf7GDY9yhyijU-s6bL09k3X5JhVyRrU3Q8hQf4-7dCR9Gvr3D3FAfraL88uvm-Uu4OJ-GnzMQ/s1600/elizaldead.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="270" data-original-width="212" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgB4AejhIOhVC3Zq_oc8PpHBIU3w2WJ9QdcwqAOiTxsrVd1v-NK3zBCAndmRgLCP8G3LEXf7GDY9yhyijU-s6bL09k3X5JhVyRrU3Q8hQf4-7dCR9Gvr3D3FAfraL88uvm-Uu4OJ-GnzMQ/s400/elizaldead.jpg" width="314" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh19kOkYqO5FpSC-deDswbR2hn5B4HrR6UP3bPQphCWraeOmQu2eKSdS-r1iRM6nv4V1EsBpehthRR1AzO9hnUbSmdsUiu7g6QtZlJwJsIlgrGdqEfzNjNtR84W7Isaz12trT2vGjvmpe4/s1600/albowlly.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="1000" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh19kOkYqO5FpSC-deDswbR2hn5B4HrR6UP3bPQphCWraeOmQu2eKSdS-r1iRM6nv4V1EsBpehthRR1AzO9hnUbSmdsUiu7g6QtZlJwJsIlgrGdqEfzNjNtR84W7Isaz12trT2vGjvmpe4/s320/albowlly.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El vocalista y guitarrista Al Bowlly</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Tras algunos cambios en sus filas y alguna que otra gira por las Islas Británicas, la banda acabaría por disolverse en 1929, y a partir de entonces, Elizalde decidió consagrarse a la música clásica como compositor y director de orquesta, aunque también escribió música para algunas películas. Pasó gran parte de los años 30 entre Francia y España, donde mantuvo estrechas relaciones profesionales con nombres de la talla de <b>Maurice Ravel</b>, <b>Manuel de Falla</b>, <b>Rafael Alberti</b> y <b>Federico García Lorca</b>, a quien le unió una estrecha amistad. Curiosamente, durante la Guerra Civil Española, Elizalde se alistó en el bando nacional—probablemente otra de las razones de que hoy en día se encuentre tan injustamente olvidado—, pero no debía de ser muy afín a la ideología franquista, ya que poco después de concluido el conflicto abandonó España para ya no regresar más. A finales de la década de los 40, Elizalde volvió a las Islas Filipinas, donde continuó ligado a la música clásica creando una nada despreciable cantidad de obras, trabajando como director y llegando a participar en programas televisivos. En estos últimos años de su vida, Elizalde visitó Europa e incluso Japón antes de su fallecimiento en 1979.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDoFfOUYiCeKn3EunynFdKD6RVIbTGwIgvxO11hmMYHbl6oKAOH-1TXotiRMMSXiUZ1GuyG1oQLBzJyi92YZahhq6XuERGamJ1sxNcEARWJ15bJTuylOKVR_jpfe2KQN_TayLQfN6EH1I/s1600/arthurrollini.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="262" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjDoFfOUYiCeKn3EunynFdKD6RVIbTGwIgvxO11hmMYHbl6oKAOH-1TXotiRMMSXiUZ1GuyG1oQLBzJyi92YZahhq6XuERGamJ1sxNcEARWJ15bJTuylOKVR_jpfe2KQN_TayLQfN6EH1I/s320/arthurrollini.jpg" width="278" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El saxofonista Arthur Rollini, hermano de Adrian</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-82jLUrdHfJ-kV8Gzg1BAgz-HQxry-d6jd3StHcSAQlxKDq3eONLfRI2p133JKcGUKobBVZ4-XWEP1mI0artUVvVqoAiwkfF3H0njEfbZR6NllcHGpx4HREeOuyVSa9-NTJdAOE7oa7c/s1600/elizaldecd.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="604" data-original-width="599" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-82jLUrdHfJ-kV8Gzg1BAgz-HQxry-d6jd3StHcSAQlxKDq3eONLfRI2p133JKcGUKobBVZ4-XWEP1mI0artUVvVqoAiwkfF3H0njEfbZR6NllcHGpx4HREeOuyVSa9-NTJdAOE7oa7c/s320/elizaldecd.jpg" width="317" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Elizalde murió en un relativo anonimato: su nombre había sido olvidado por muchos, y muy pocos recordaban, por supuesto, sus grabaciones jazzísticas de finales de los años 20. Afortunadamente, una veintena de ellas—todas realizadas entre 1928 y 1929—están disponibles en un disco compacto titulado <i><b>Fred Elizalde and His Anglo-American Band</b></i> (Retrieval Records, 1997), que supone la mejor introducción al breve periplo de Elizalde por el jazz. El nombre de la orquesta, evidentemente, hace referencia al hecho de que se componía de una mezcla de músicos ingleses y estadounidenses, todos ellos de una extraordinaria calidad, como los trompetistas <b>Chelsea Quealey</b> y <b>Norman Payne</b>, el ya mencionado <b>Adrian Rollini</b> y su hermano, el saxofonista <b>Arthur Rollini</b>, que escribió lo siguiente sobre Elizalde en su autobiografía: "[Elizalde] tenía sólo veintitrés años, se había graduado en Cambridge y tocaba el piano de forma fantástica y era un arreglista brillante. La orquesta era verdaderamente excelente y se parecía a la gran orquesta de Paul Whiteman en los Estados Unidos". Los arreglos de Elizalde, efectivamente, suenan modernos y demuestran que el músico hispano-filipino comprendía a la perfección el lenguaje del jazz de la época. En algunos de los temas hace una de sus primeras apariciones fonográficas el gran cantante y guitarrista <b>Al Bowlly</b>, que se convertiría en una de las más grandes estrellas de las orquestas de baile británicas antes de su prematura muerte en 1941 en Londres durante un bombardeo alemán. En definitiva, pese a lo reducido de su legado discográfico jazzístico, Fred Elizalde es una figura que todo aficionado del buen jazz añejo debe conocer, y con esta breve semblanza espero contribuir modestamente, en lo posible, a rescatarlo de la oscuridad en la que se encuentra sumido en la actualidad.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/vNBgTiohvlc/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/vNBgTiohvlc?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-79948516029813458702018-03-30T19:13:00.000-05:002018-03-30T19:13:11.977-05:00Louis Armstrong Meets Oscar Peterson<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8bB2wFjPpiQptRNc7c7DQjM9F8Mws1PlRoLtQ8bUQQQojLoI_IJxHjU767cb9113an1hUxfYOvuytMoO1bfLRRed6OEgdYhitx743jsNjHGnmhIzvPbLVPW9wNsfjYnRqcwsAaMAIIJo/s1600/armstrong.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1215" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8bB2wFjPpiQptRNc7c7DQjM9F8Mws1PlRoLtQ8bUQQQojLoI_IJxHjU767cb9113an1hUxfYOvuytMoO1bfLRRed6OEgdYhitx743jsNjHGnmhIzvPbLVPW9wNsfjYnRqcwsAaMAIIJo/s320/armstrong.jpeg" width="243" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Verve, 1957</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Aunque su carrera discográfica se remonta a los años veinte, cuando realizó las legendarias series de grabaciones en grupos reducidos que hoy se conocen como Hot Fives y Hot Sevens, <b>Louis Armstrong</b> registró tantos y tan buenos discos en la década de los cincuenta que su colaboración con el pianista <b>Oscar Peterson</b> ha quedado un tanto olvidada, y de manera injusta. Los críticos suelen centrarse en obras maestras como los discos a dúo con <b>Ella Fitzgerald</b>, el excelente tributo al compositor <b>W.C. Handy</b> o el magnífico <i>Louis Under the Stars</i>, y pasan de puntillas por este encuentro en el estudio con el pianista canadiense, que se grabó en dos sesiones diferentes en julio y octubre de 1957. Y es una pena, porque la compenetración entre ambos es máxima, y Satchmo se encuentra muy a gusto desgranando una serie de <i>standards</i> muy bien elegidos para la ocasión. Resulta evidente que el trompetista explora con mayor insistencia sus capacidades vocales y en cierto modo la trompeta pasa a un segundo plano, lo que quizá haya contribuido a este sorprendente olvido por parte de la crítica, pero pese a todo, el resultado de la reunión musical entre Armstrong y Peterson es más que satisfactorio y merece escucharse con detenimiento y disfrutarse como la ocasión lo merece.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuXspzzDprp9eFAPhgx8AfeVtD-ZD2O9XUs4oV1rtNZM2La2KIr6qaNSADfUHxaab3XJmXFSZzUhtsfOzaiH7jA4WGszTkZUQZoJ4feZoDhyCP5wadQIR6aniUnsLm0ogM04uq6qyLWHE/s1600/peterson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="526" data-original-width="450" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhuXspzzDprp9eFAPhgx8AfeVtD-ZD2O9XUs4oV1rtNZM2La2KIr6qaNSADfUHxaab3XJmXFSZzUhtsfOzaiH7jA4WGszTkZUQZoJ4feZoDhyCP5wadQIR6aniUnsLm0ogM04uq6qyLWHE/s320/peterson.jpg" width="273" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El pianista Oscar Peterson</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqqte-SFMIHJay6DKrFpRua7HENI00Dl5jriNLnYF4pmXtZw89MYboZdtBrPK8cjWNPOOOJ4hWmPoR0-7LSdXB2RbGzv3r1jaZ7-kciUI9HNoJ82n9LgEpDrxIy-xaSdExfDX0QCwD1Fs/s1600/armstrongpeterson.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="320" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqqte-SFMIHJay6DKrFpRua7HENI00Dl5jriNLnYF4pmXtZw89MYboZdtBrPK8cjWNPOOOJ4hWmPoR0-7LSdXB2RbGzv3r1jaZ7-kciUI9HNoJ82n9LgEpDrxIy-xaSdExfDX0QCwD1Fs/s320/armstrongpeterson.jpg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">La formación que acompaña a Satchmo en estas sesiones es, en esencia, el trío de Peterson (</span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Herb Ellis</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"> a la guitarra y </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Ray Brown</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"> al contrabajo) con el añadido rítmico del excelente batería </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Louis Bellson</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">. Ya desde el principio, en "That Old Feeling", queda claro que habrá una preferencia por los tiempos medios, marcados por el <i>swing</i> pero no demasiado acelerados, tal como es el caso también en "I Was Doing All Right", "Just One of Those Things" y "Sweet Lorraine". Armstrong se nos aparece, además, como el verdadero líder en esta ocasión, cantando con una extraordinaria relajación, urdiendo solos que no son siempre tan breves como algunos han querido ver (fíjense en "Let's Do It" o "Moon Song") y demostrando en todo momento que se halla muy a gusto en este contexto musical. La versión teñida de blues del famoso "Blues in the Night" es uno de los puntos álgidos del disco, que contiene también baladas muy notables, como "How Long Has This Been Going On?" o "What's New?". Armstrong interpreta "There's No You" únicamente con el acompañamiento de la guitarra de Ellis, y el sublime resultado hace que uno se pregunte por qué Satchmo no grabaría un álbum completo al alimón con Ellis, pues habría sido una verdadera maravilla. "You Go to My Head", uno de los cortes más intimistas y suavemente melancólicos del elepé, es memorable porque Armstrong comienza con una delicada introducción a la trompeta antes de pasar a la parte vocal, algo que tal vez habría sido deseable en otros momentos del álbum. Por fortuna, la reedición en CD de 1997 incorpora cuatro temas que se quedaron fuera del disco original pero que resultan igualmente deliciosos. El productor </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Norman Granz</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"> se equivocaba en pocas ocasiones, y aquí acertó de pleno, facilitando la creación de un elepé injustamente olvidado que merece ser redescubierto y reevaluado más de sesenta años después de su grabación.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/fxf5FoV10Pw/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/fxf5FoV10Pw?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-6413711819286000542018-03-28T18:04:00.001-05:002018-03-28T18:04:29.148-05:00Frank Sinatra en 1957: Where Are You y Come Fly with Me<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_kiN4X-YKt9CddliHADJzfO_4OXFKRVwude8FPgcaxKrKREX2MizuR8jo16yucWGI04o_DFu7cSIABpoEF8EoQaNjf5yutIvqJKO4yyH5ihvqj5qJzFniW7Tkuj1dygeeIEzulNAOu88/s1600/sinatramay.png" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="523" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_kiN4X-YKt9CddliHADJzfO_4OXFKRVwude8FPgcaxKrKREX2MizuR8jo16yucWGI04o_DFu7cSIABpoEF8EoQaNjf5yutIvqJKO4yyH5ihvqj5qJzFniW7Tkuj1dygeeIEzulNAOu88/s320/sinatramay.png" width="305" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Frank Sinatra y Billy May en el estudio</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: large;"><i>Después de una ausencia de varios meses, Postales de Jazz regresa con una postal en la que se ofrecen dos podcasts en torno a sendos discos de Frank Sinatra grabados en 1957 que he tenido la oportunidad de realizar en colaboración con mi amigo aragonés Marcos Callau, director de este interesantísimo <a href="http://francescoalbertosinatra.blogspot.com/" target="_blank"><b>blog</b></a> en español sobre Sinatra.</i></span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">Durante los años en los que grabó para el sello Capitol, <b>Frank Sinatra</b> dio con la fórmula generadora de lo que se daría en llamar el álbum conceptual, a saber, una colección de canciones en principio no compuestas específicamente para el disco pero que, puestas una detrás de otra con sumo cuidado, crean una atmósfera determinada de una manera premeditada. Es más, durante la década de los 50 y principios de los 60, Sinatra produjo fundamentalmente dos tipos de álbumes conceptuales para Capitol: por un lado, discos introspectivos de baladas lentas, melancólicas e intimistas, como <i>No One Cares</i> u <i>Only the Lonely</i>; por otro lado, discos que ponían el acento en el swing, a tiempo medio o acelerado, como <i>Songs for Swinging Lovers</i> o <i>A Swingin' Affair</i>. En 1957, precisamente, La Voz se rodeó de dos arreglistas muy diferentes, <b>Gordon Jenkins</b> para las baladas más suaves y <b>Billy May</b> para el swing más desatado, y creó dos obras maestras, una de cada tipo: <b><i>Where Are You</i></b> y <b><i>Come Fly with Me</i></b>.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh19oLyEyYWmEQDD_PYs-ebYs9if9AbVfriLxbwk-z1pwMfEa4ZbvnYTGMEBWr9E2ghe4qdnUw7ABKiabRYnS4HFQHXEImZlZX0mmyBb1GyyGS5EIfOyLF1fk84GulImoaD00mpQq_bdc8/s1600/sinatrawhere.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="195" data-original-width="200" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh19oLyEyYWmEQDD_PYs-ebYs9if9AbVfriLxbwk-z1pwMfEa4ZbvnYTGMEBWr9E2ghe4qdnUw7ABKiabRYnS4HFQHXEImZlZX0mmyBb1GyyGS5EIfOyLF1fk84GulImoaD00mpQq_bdc8/s320/sinatrawhere.jpg" width="320" /></a></div>
<span style="font-size: large;">Para el primero de estos discos, Gordon Jenkins urdió una serie de maravillosos arreglos de cuerda de sabor otoñal que hacen hincapié en la melancolía de grandes temas como "Maybe You'll Be There", "Lonely Town" o "I Cover the Waterfront". La paleta de sonidos y emociones va desde la desesperación eminentemente autobiográfica por las dificultades amorosas ("I'm a Fool to Want You") hasta el recuerdo de un amor casi fantasmal y numinoso ("Laura"), pasando por el reflejo de la tristeza en el paisaje de otoño contemplado desde el alféizar de una ventana ("Autumn Leaves"). El resultado es un disco un tanto olvidado en el canon sinatrero, a todas luces injustamente si lo escuchamos con detenimiento.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCdU199d9YXUrbWaJXYb1XW2dfvMHFKQU6wWzxcOWTQ1_bM7eU7VX4a5QK6ZCxAjJ0QmQD0k637eY-E4ybqYy2gy_4Kwev25RQMiu4l86cwmvemk_WM0iSFfxa4C9h-4I4X3D_3Z0fYJc/s1600/sinatrafly.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="223" data-original-width="220" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCdU199d9YXUrbWaJXYb1XW2dfvMHFKQU6wWzxcOWTQ1_bM7eU7VX4a5QK6ZCxAjJ0QmQD0k637eY-E4ybqYy2gy_4Kwev25RQMiu4l86cwmvemk_WM0iSFfxa4C9h-4I4X3D_3Z0fYJc/s320/sinatrafly.jpg" width="315" /></a></div>
<span style="font-size: large;">El segundo de los elepés es un viaje en clave de swing por los cuatro puntos cardinales del globo terráqueo: Nueva York, Londres, París, Hawaii, Brasil e incluso esa Birmania descrita por el poeta británico <b>Rudyard Kipling</b> en "On the Road to Mandalay". En este caso el tema que da título al disco fue creado especialmente para Sinatra por el dúo compositor formado por <b>Sammy Cahn</b> y <b>Jimmy Van Heusen</b>, y los arreglos de May, divertidos y desenfadados la mayor parte de las veces, como suele ser siempre el trabajo de este arreglista, le van como anillo al dedo a un Sinatra que se recorre el mundo de partitura en partitura con una maleta en la mano. Como no podía ser de otro modo, <i>Come Fly with Me</i> se convirtió en uno de los discos más populares de la discografía del de Hoboken, iniciando una serie de magníficos álbumes de título semejante, como <i>Come Dance with Me</i> o <i>Come Swing with Me</i>.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihasbYzqbj9SDB_qr1q4Qg5-cfgaqiFZabvLV39L0fR08qKr5KRHpf8npda55lJPUs6cRxBDdpVymOzP10OoDt9sr-wOhttmYfJ9LIBM39bXsq1JDxMOMLLPRDhTevH9Cxulsisf7fonw/s1600/jenkins.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="550" data-original-width="368" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihasbYzqbj9SDB_qr1q4Qg5-cfgaqiFZabvLV39L0fR08qKr5KRHpf8npda55lJPUs6cRxBDdpVymOzP10OoDt9sr-wOhttmYfJ9LIBM39bXsq1JDxMOMLLPRDhTevH9Cxulsisf7fonw/s320/jenkins.jpg" width="214" /></a></div>
<span style="font-size: large;">Recientemente, mi amigo <b>Marcos Callau</b> y yo grabamos un podcast en el que repasamos corte a corte esta colaboración entre Sinatra y May. Nos divertimos tanto charlando sobre el disco que hemos decidido iniciar una serie de podcasts en torno a la música y a la figura de Sinatra, que se titula <i><b>Encuentros con Sinatra</b></i>. En el primer episodio de la serie, desgranamos precisamente el elepé <i>Where Are You</i>. Ambos programas pueden escucharse íntegros aquí abajo, junto con las indispensables guías de escucha que Marcos ha publicado sobre cada disco en su blog. Espero que ambos podcasts interesen a los lectores de estas Postales de Jazz y que sirvan modestamente para descubrir o redescubrir estas obras maestras de la música del siglo XX.</span><br />
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTG4EoUYMbRIIp8zJW_617RyTsahaJlXrjWGjGVtj7AAzGzw6r6uRNX2iScURuSbQiyz8CTfQG7ThwIb7ENI7qeXT9AyMIBwgbn4Bv9jXUGeZgIaCB8iTn19N9JFTcIWxQcxQRRbuMOPE/s1600/sinatrastudio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="513" data-original-width="750" height="272" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTG4EoUYMbRIIp8zJW_617RyTsahaJlXrjWGjGVtj7AAzGzw6r6uRNX2iScURuSbQiyz8CTfQG7ThwIb7ENI7qeXT9AyMIBwgbn4Bv9jXUGeZgIaCB8iTn19N9JFTcIWxQcxQRRbuMOPE/s400/sinatrastudio.jpg" width="400" /></a></div>
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">Podcast sobre <i>Come Fly with Me</i>. La guía de escucha está disponible <b><a href="http://francescoalbertosinatra.blogspot.com/2018/02/come-fly-with-me-guia-de-audicion-y.html" target="_blank">aquí</a></b>.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
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<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/M0N0lcQIJSw/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/M0N0lcQIJSw?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">Podcast sobre <i>Where Are You</i> (Encuentros con Sinatra # 1). La guía de escucha está disponible <a href="http://francescoalbertosinatra.blogspot.com/2018/03/encuentros-con-sinatra-1-where-are-you.html" target="_blank"><b>aquí</b>.</a></span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
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<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/N0uUi4RBWZY/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/N0uUi4RBWZY?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
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<span style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-48153002371179780942017-05-08T15:42:00.001-05:002017-05-08T15:42:48.226-05:00Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhzwrZ-ZG3nip66TtIsVFcnYssNVzZ7VmnLz5JvOujWOiGqPy-lMIjop1kgVNNpSa_ydKocHbxVyayde8dVqNzA8wePknBhQDTcDzoP8CI2MsjNtC9gmhB1HViXkaVvYXcdCzj08DmdG8/s1600/ellafitzgeraldcd.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhzwrZ-ZG3nip66TtIsVFcnYssNVzZ7VmnLz5JvOujWOiGqPy-lMIjop1kgVNNpSa_ydKocHbxVyayde8dVqNzA8wePknBhQDTcDzoP8CI2MsjNtC9gmhB1HViXkaVvYXcdCzj08DmdG8/s320/ellafitzgeraldcd.jpeg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Verve, 1956</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Este año se cumple el centenario del nacimiento de <b>Ella Fitzgerald</b>, que vino al mundo en Newport News (Virginia) en 1917, y el sello Verve celebra la efeméride con un CD cuádruple apropiadamente titulado <i>100 Songs for a Centennial</i>, que es recomendable para quienes no tengan nada de la Fitzgerald en su colección y deseen adentrarse en su universo musical, siempre rico y muy valioso. Así pues, en estos momentos se está hablando bastante de Ella, y rara es la ocasión en la que críticos y periodistas no la comparan con su contemporánea <b>Billie Holiday</b>, cosa que no haremos aquí por parecernos que supondría comparar a dos cantantes de importancia histórica muy semejante pero de signo muy opuesto. Por lo que respecta a Fitzgerald, que es quien nos interesa en este instante, nos encontramos ante una vocalista dotada de una voz y una técnica prodigiosas, que bien podría haber interpretado ópera si así lo hubiese querido pero que, para el regocijo de todos los aficionados al jazz, prefirió dedicarse a cantar nuestra música. Claro que hizo incursiones en otros terrenos, como el pop, el blues, la música brasileña, el gospel e incluso el rock (esto último en pocas ocasiones, por fortuna), pero siempre que se ponía ante un micrófono, ya fuese al frente de una <i>big band</i>, una orquesta de cuerdas o un trío de jazz, le imprimía a todo lo que interpretaba un sello jazzístico muy personal.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy59FZKXV1XwCvgbOkudGVvYJn9VWw_shzd-M1ZbJhjhgE7oYble0kJqNuJG3A5r4skzUauw029kWJKafgyRrajZ9AhRA4U2KqaG96DWXefhEYsgU61GrcN1TVfqW6uAkEdYBTyYe1C7A/s1600/coleporter.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy59FZKXV1XwCvgbOkudGVvYJn9VWw_shzd-M1ZbJhjhgE7oYble0kJqNuJG3A5r4skzUauw029kWJKafgyRrajZ9AhRA4U2KqaG96DWXefhEYsgU61GrcN1TVfqW6uAkEdYBTyYe1C7A/s400/coleporter.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Cole Porter</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3zfGwujQAuaF7IOt0wsRX48qHFma-Xj90b37kuPkzd6HKYwNFYnmWF5j4iyJmTt_quqaH1Wab0v64GvGqp4P-SZpBLTreUxTV0I-iQJzmCZ12GdOnYx3-YdKtjTWppzPo3UUzxBRKMUg/s1600/ella1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj3zfGwujQAuaF7IOt0wsRX48qHFma-Xj90b37kuPkzd6HKYwNFYnmWF5j4iyJmTt_quqaH1Wab0v64GvGqp4P-SZpBLTreUxTV0I-iQJzmCZ12GdOnYx3-YdKtjTWppzPo3UUzxBRKMUg/s320/ella1.jpg" width="262" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Podríamos hablar de manera infinita sobre una carrera que inició en los años 30 como vocalista de la orquesta de <b>Chick Webb</b>, cuyas riendas tomó tras la prematura muerte del gran batería. Podríamos también comentar sus clásicas grabaciones para Decca, su colaboración en clave intimista con el pianista <b>Ellis Larkins</b> o sus excelentes discos de la etapa más madura de su singladura musical, en los 70 y 80, junto a grandes como <b>Oscar Peterson</b> o <b>Joe Pass</b>. Pero preferimos centrarnos en un proyecto que grabó en 1956 para Verve, bajo la dirección de <b>Norman Granz</b>, que supuso para mí, ya hace muchos años, la primera toma de contacto con su vasto legado discográfico. Nos referimos a <i><b>Ella Fitzgerald Sings the Cole Porter Songbook</b></i>, el primero de los álbumes que, en las décadas de los 50 y 60, dedicó íntegramente a algunos de los mejores compositores del pop clásico estadounidense. Fitzgerald no fue la primera en grabar un <i>songbook</i>; ese mérito le corresponde a la hoy tristemente desconocida cantante de jazz <b>Lee Wiley</b>. Pero los álbumes de este tipo que Wiley grabó en los años 30 tuvieron una distribución bastante reducida y no disfrutaron del éxito de la colección de temas de <b>Cole Porter</b> que Fitzgerald registró en 1956, un éxito que la llevaría a continuar la serie, dedicando posteriormente discos a los hermanos <b>Gershwin</b>, <b>Irving Berlin</b>, <b>Johnny Mercer</b>, <b>Duke Ellington</b> o <b>Count Basie</b>, entre otros.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9nH3Z1qPZa5p7IlRqigDM-eVcc3c_wbzN9NbEc8-4jRJwrWYmzr5X3SatN-jUJdXNlEKFqJ5jf9Bo3f7gX6D4IYLDH3BmADsWW63arByZLggfBnFfNOHWVwuuUNS1rHkSpzxUn3dE7jA/s1600/buddybregman.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9nH3Z1qPZa5p7IlRqigDM-eVcc3c_wbzN9NbEc8-4jRJwrWYmzr5X3SatN-jUJdXNlEKFqJ5jf9Bo3f7gX6D4IYLDH3BmADsWW63arByZLggfBnFfNOHWVwuuUNS1rHkSpzxUn3dE7jA/s320/buddybregman.jpg" width="271" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El arreglista Buddy Bregman</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr2HFtv2N16nC3kxeHXtvef76kzdGARPMwa_ba64rh5dyH2uJ1HOHVevjQVrMB3Y_mbNJ92ED6suzmFqwj6L_zO8qSwTq0w87JtlYEPxKfToBualrRw-UQtABMuZpv3Bbdx-1I9HirKL0/s1600/ella2.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgr2HFtv2N16nC3kxeHXtvef76kzdGARPMwa_ba64rh5dyH2uJ1HOHVevjQVrMB3Y_mbNJ92ED6suzmFqwj6L_zO8qSwTq0w87JtlYEPxKfToBualrRw-UQtABMuZpv3Bbdx-1I9HirKL0/s320/ella2.png" width="236" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Para este primer álbum de la serie, Granz encargó los arreglos al recientemente fallecido <b>Buddy Bregman</b>, un arreglista por entonces bastante joven que a veces es criticado por lo ruidoso de sus arreglos, que potencian a menudo el sonido de los metales. Esto ocurre, por ejemplo, en su colaboración con <b>Bing Crosby</b>, <i>Bing Sings Whilst Bregman Swings</i> (también editada por Verve), pero no demasiado en este <i>songbook</i> dedicado a Porter, que contiene arreglos que rezuman elegancia y mucho gusto. Esto, evidentemente, es algo absolutamente necesario cuando se trata de acompañar a una cantante de la talla de la Fitzgerald, que está en plena forma en este momento de su carrera. De hecho, las partituras de Bregman demuestran una innegable variedad: <i>swing</i> enérgico para los tempos más acelerados y cuerdas suaves pero nunca edulcoradas para las baladas. El repertorio incluye los clásicos de Porter que uno esperaría (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=s06RUbCbYeo" target="_blank">"I Get a Kick Out of You"</a>, "Just One of Those Things", <a href="https://www.youtube.com/watch?v=2TG7AqzyQQU" target="_blank">"I've Got You Under My Skin"</a>, "Anything Goes", "Night and Day") y las <i>list songs</i> o canciones basadas en enumeraciones de las que Porter era un maestro ("Let's Do It", <a href="https://www.youtube.com/watch?v=X0oKUpIqwek" target="_blank">"You're the Top"</a>), pero la gran magnitud del proyecto permitió también que Fitzgerald incluyese algunas de las piezas menores del compositor, como "Do I Love You?" o "Ridin' High". La versión de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=KIW1ZrDio7M" target="_blank">"Miss Otis Regrets"</a> sólo con piano y sin el resto de la orquesta es, a mi juicio, uno de los momentos cumbres del disco.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivUwLmWBElWgsCTfnVYuR7W6owvBA4JjfAi3Gw6_IkqugkoOsxlil5Z06QnmBX39Ssxzv-uqNZP5UqH25hNdWGOhi7nJmjH6WBx1Ts6_w5Mo6eUcxJwlG83emKXF2x19JnylbNcLSyil8/s1600/ella3.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEivUwLmWBElWgsCTfnVYuR7W6owvBA4JjfAi3Gw6_IkqugkoOsxlil5Z06QnmBX39Ssxzv-uqNZP5UqH25hNdWGOhi7nJmjH6WBx1Ts6_w5Mo6eUcxJwlG83emKXF2x19JnylbNcLSyil8/s320/ella3.jpg" width="257" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Si nos fijamos en los componentes de esta orquesta que acompañó a Ella en las diversas sesiones, encontraremos a la flor y nata de los músicos de jazz de la Costa Oesta, como <b>Harry "Sweets" Edison</b>, <b>Pete Candoli</b>, <b>Maynard Ferguson</b>, <b>Herb Geller</b>, <b>Bud Shank</b>, <b>Bob Cooper</b>, <b>Barney Kessel</b> y <b>Alvin Stoller</b>, por citar solamente a unos cuantos. Se trata de un contexto en el que Fitzgerald se sentía muy cómoda, y esto se nota fácilmente al escuchar el disco: su voz ataca cada canción de la manera adecuada, acentuando aquellos momentos que le interesa subrayar e interpretando a la perfección las letras y melodías sofisticadas y originales de Porter. Pese a tratarse de un <i>songbook</i>, éste es un álbum altamente recomendable como introducción al sonido de Fitzgerald. Por cierto, que la relación de Ella con la música de Porter no termina con este proyecto: siempre incluyó varias de sus composiciones en su repertorio para sus directos, y un par de décadas más tarde publicaría un nuevo disco (en Pablo Records, sello también propiedad de Granz) con temas de Porter, <i>Dream Dancing</i>, en el que contó con la colaboración nada menos que de <b>Nelson Riddle</b>. Son, es cierto, dos discos complementarios, pero reconozco que siempre he sentido una especial debilidad por el que ha sido protagonista de la presente postal.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/lXYKGL6MgKM/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/lXYKGL6MgKM?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-60170613503529988922017-03-18T10:11:00.001-05:002017-03-18T10:11:19.595-05:00Videocast de Postales de Jazz No. 4: Algunas adquisiciones navideñas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/YlRTFDDlHfA/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/YlRTFDDlHfA?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Con cierto retraso presento ahora este vídeo que grabé hace ya unos dos meses, y en el que repaso algunos discos de jazz que recibí como regalos navideños. Algunos de ellos son novedades, mientras que otros son simplemente títulos que faltaban en mi colección, incluyendo alguna que otra sorpresa desconocida para mí. Los discos comentados en el vídeo son los siguientes:</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPaMl7CbYd6LYA6imixMAaBT848Qhqphhw-cpk1PCt0waOFwhdwWicjTw3mtgL5K4EDxhfG7aQTsI_kEYQ0Z_xR9jDuNHe4Mc8rOH0qJzHECCqBcwR_NLEtj8-ce-b6q3wD6QeBErKBeY/s1600/larryyoung.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPaMl7CbYd6LYA6imixMAaBT848Qhqphhw-cpk1PCt0waOFwhdwWicjTw3mtgL5K4EDxhfG7aQTsI_kEYQ0Z_xR9jDuNHe4Mc8rOH0qJzHECCqBcwR_NLEtj8-ce-b6q3wD6QeBErKBeY/s320/larryyoung.jpg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Jazz Composers Workshop</i>, de <b>Charles Mingus</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Oscar Pettiford Sextet</i>, de <b>Oscar Pettiford</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Ritmo Caliente / Más Ritmo Caliente</i>, de <b>Cal Tjader</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Alive at the Village Gate</i>, de <b>Coleman Hawkins</b>, <b>Roy Eldridge</b> y <b>Johnny Hodges</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>My Hour of Need</i>, de <b>Dodo Greene</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>If I Could</i> y <i>More Than a Mood</i>, de <b>Stanley Turrentine</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Hank & Frank</i>, de <b>Hank Jones</b> y <b>Frank Wess</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Miles Davis at Newport 1953-73</i>, de <b>Miles Davis</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Some Other Time</i>, de <b>Bill Evans</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>In Paris: The ORTF Recordings</i>, de <b>Larry Young</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Los tres últimos son novedades de gran interés y altamente recomendables. Espero que disfrutéis el vídeo y que al menos algunas de estas recomendaciones despierten vuestro interés.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcsv8bfZWhP4EGsM6mmP7Xad9Xzzx2Nvqgm5-PfuPTeBoS41hibyTwNfkJYHagJ1B0X_HhPjVE4r62BXWEenz5xW7AGxjQMesBlNHG3hODF0ZfdlRstGaxuoI6xTTh2hX3-SYrNsJ-wgs/s1600/billevans.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcsv8bfZWhP4EGsM6mmP7Xad9Xzzx2Nvqgm5-PfuPTeBoS41hibyTwNfkJYHagJ1B0X_HhPjVE4r62BXWEenz5xW7AGxjQMesBlNHG3hODF0ZfdlRstGaxuoI6xTTh2hX3-SYrNsJ-wgs/s400/billevans.jpg" width="400" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-44063076164960340082016-12-20T12:28:00.001-06:002016-12-20T12:28:11.682-06:00Mattias Nilsson y Ray Aichinger - Silent Nights<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL6NKGWkEQ44Ycdfl4IWdf99L1ldVctiGd-FUmUKuneCpVNBqI1pBHvaqMPBgj5MNjtcdjgtjGw43b4bdLk0pFOhmNaMCBYJQntAr4lsQR-KeFc7OVwzlT5Mb8FBAqgQEQdNJgytZAr18/s1600/nilssonaichinger.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL6NKGWkEQ44Ycdfl4IWdf99L1ldVctiGd-FUmUKuneCpVNBqI1pBHvaqMPBgj5MNjtcdjgtjGw43b4bdLk0pFOhmNaMCBYJQntAr4lsQR-KeFc7OVwzlT5Mb8FBAqgQEQdNJgytZAr18/s320/nilssonaichinger.jpg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>European Jazz Records, 2015 (CD) / Fog Arts, 2016 (digital)</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b><br /></b></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Al ir acercándose las fiestas navideñas, me llegan noticias desde Suecia de la reedición en formato de descarga digital por parte del nuevo sello <a href="http://fogartsmusic.com/" target="_blank">Fog Arts</a> de un disco publicado en CD el año pasado y titulado <b><i><a href="http://fogartsmusic.com/silent-nights/" target="_blank">Silent Nights</a></i></b>. Se trata de una colaboración entre el pianista sueco <b><a href="http://mattiasnilsson.com/" target="_blank">Mattias Nilsson</a></b> y el saxofonista austríaco <b><a href="http://www.raimundaichinger.com/" target="_blank">Ray Aichinger</a></b>, siete temas que mezclan un par de <i>standards</i> con unos cuantos villancicos europeos y una pieza original compuesta por los dos protagonistas. Estos dos músicos llevan ya tiempo formando parte de la escena jazzística en Europa: Nilsson publicó este mismo año un disco que nos lo presenta en solitario al piano (<i>Dreams of Belonging</i>), mientras que Aichinger ha participado en varios proyectos, como líder y como acompañante, desde finales de la década de los noventa. Este disco de temática navideña del que hablamos hoy es la primera colaboración entre ambos, si bien han realizado varias giras juntos por diversos países europeos.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjspwymZf_VrGPA15WoIogWpoXjaQB0-W31CtzRvhhj637VWuNCzMqewJTo6P-sXXOLZoxL6sIYUZRge-Hm_Cj8TsX7D2RTgW4ehVJRz60wVhScO19TXlIIS4p5bnC9ERmIgTabfP4jxIE/s1600/rayandmattias.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="307" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjspwymZf_VrGPA15WoIogWpoXjaQB0-W31CtzRvhhj637VWuNCzMqewJTo6P-sXXOLZoxL6sIYUZRge-Hm_Cj8TsX7D2RTgW4ehVJRz60wVhScO19TXlIIS4p5bnC9ERmIgTabfP4jxIE/s320/rayandmattias.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ray Aichinger y Mattias Nilsson</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">El álbum se abre con una versión verdaderamente lírica de "I'll Be Home for Christmas" en la que podemos escuchar ecos de los estilos de <b>Lester Young</b> y <b>Ben Webster</b>. El otro <i>standard</i> elegido es bastante más sorprendente: Nilsson y Aichinger reinventan "In the Wee Small Hours of the Morning", asociada de manera indeleble con <b>Frank Sinatra</b>, en un contexto navideño, explotando al máximo las posibilidades introspectivas de su melodía. "Stille Nacht, Heilige Nacht" es una delicada y pausada interpretación de la famosa "Noche de paz", mientras que los tres villancicos europeos ("Karl-Bertil Johanssons Julafton", "Macht hoch die Tür" y "Under Rönn och Syren") nos llevan por terrenos ya hollados por músicos como el sueco <b>Jan Johansson</b> y funcionan a la perfección como vehículos para el sonido intimista del dúo. Finalmente, el álbum se cierra con "Blue December", una atractiva composición original de Nilsson y Aichinger que figurará también en el nuevo disco conjunto de ambos, <i>Peaceful in Dreams</i>, que la discográfica European Jazz Records pone a la venta hoy mismo. <i>Silent Nights</i> es una reedición que aplaudimos y que contribuye a crear un ambiente cálido y diferente durante estas fiestas en el hogar de cualquier aficionado al jazz que decida acercarse a ella.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/8cI3MZkZx4U/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/8cI3MZkZx4U?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-46681186711393873612016-10-27T08:58:00.001-05:002016-10-27T08:58:11.333-05:00Videocast No. 3: Los singles de Arthur Gunter para Excello Records, 1954-61<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/1wPW04Jg-PU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/1wPW04Jg-PU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">De vez en cuando hablamos de blues en </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>Postales de Jazz</i></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">, pues el blues y el jazz son estilos que han estado siempre hermanados e íntimamente relacionados. En el vídeo que proponemos hoy se ofrece un somero repaso a la carrera de </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Arthur Gunter</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">, un bluesman nacido en Nashville (Tennessee) en 1926 y hoy casi por completo olvidado, de no ser porque </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Elvis Presley</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"> grabó una versión de su </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=xUxru2Hrrjo" target="_blank">"Baby Let's Play House"</a></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">. Cuando pensamos en Nashville, la Ciudad de la Música, normalmente la relacionamos con el country, pero es cierto que en esa capital sureña de la música ha existido siempre una muy arraigada tradición de música afroamericana (blues, rhythm and blues, gospel) de la cual no se suele hablar muy a menudo pero que resulta verdaderamente interesante. Gunter, que nunca fue capaz de revalidar el éxito de "Baby Let's Play House", se halla hoy en día en el olvido en parte debido a que sus grabaciones están descatalogadas en formato CD. Por ello, en este vídeo celebramos y comentamos la edición, por parte del sello británico Jasmine Records, de </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i><b>Baby Let's Play House: The Complete Excello Singles</b></i></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">, un compacto que reúne los doce </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><i>singles</i></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"> que Gunter grabó para esa discográfica nashvilliana y que—esperamos—sirva de carta de presentación para su música, en la que escuchamos ecos de </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Blind Boy Fuller</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">, </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Big Bill Broonzy</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">, </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Slim Harpo</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"> y </span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Arthur "Big Boy" Crudup</b></span><span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">. Es un disco, sin duda, muy recomendable.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSRScdOwnL792xjvc6k7M1UmCtcNRo89fyyj-eQkZypTPvHU8El89JhkrrVf4RRI18WqOiQ0MgEd-SVT92LAkY6OmXpwfJvWJH3c3g2eiv-aAn3SKHSHbzqklki6T-YvH-wij1JuUWmQY/s1600/arthurgunter.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSRScdOwnL792xjvc6k7M1UmCtcNRo89fyyj-eQkZypTPvHU8El89JhkrrVf4RRI18WqOiQ0MgEd-SVT92LAkY6OmXpwfJvWJH3c3g2eiv-aAn3SKHSHbzqklki6T-YvH-wij1JuUWmQY/s400/arthurgunter.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Arthur Gunter</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-44016478912433827072016-10-11T09:50:00.004-05:002016-10-11T09:50:59.252-05:00Luis Russell y el swing<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCBZTxebU_ndY88abvu2aUC6FarsAOVpqYh8D9hea_GEXdkx4svw4MI1wWi49CRTIf1Oom0IowNCBHI60gmNkii69hVUvOJMYlejCtp6Xe0k0JipdCoq5HyTyVfQcisDw8gAOJ-2J7bcw/s1600/luisrussell01.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCBZTxebU_ndY88abvu2aUC6FarsAOVpqYh8D9hea_GEXdkx4svw4MI1wWi49CRTIf1Oom0IowNCBHI60gmNkii69hVUvOJMYlejCtp6Xe0k0JipdCoq5HyTyVfQcisDw8gAOJ-2J7bcw/s320/luisrussell01.jpg" width="281" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Aunque su fama fue breve, su influencia fue notable, pero hoy, varias décadas después de su muerte, víctima del cáncer en 1963, <b>Luis Russell</b> es un músico bastante oscuro en la historia del jazz, de ésos que merecen mucho más reconocimiento del que han recibido. Panameño de nacimiento—las enciclopedias del jazz nos informan de que vino al mundo en 1902—, Russell se inició en la música a muy temprana edad, y a instancias de su padre, que era precisamente profesor de música, aprendió a tocar la guitarra, el violín y el piano. Sus primeros años los pasó en su tierra natal, tocando donde podía y acompañando al piano películas mudas. Pero su historia se vuelve un tanto pintoresca hacia 1919, cuando gana tres mil dólares de los de entonces jugando a la lotería y decide emplearlos en mudarse a los Estados Unidos, concretamente a Nueva Orleáns, donde pronto entrará en contacto con la vibrante escena musical de la ciudad en aquellos momentos. En 1925 se muda a Chicago, y allí se convertirá en el pianista de la reputada orquesta de <b>King Oliver</b>, con quien viajará a Nueva York para establecerse en la Gran Manzana y, poco después, formar su propia banda para tocar en el Nest Club. El momento de mayor apogeo de su carrera llega en 1929, el año del <i>crack</i> en Wall Street, cuando lidera una orquesta que incluye, entre otros, a excelentes músicos como el trombonista <b>J.C. Higginbotham</b>, el trompetista <b>Henry "Red" Allen</b>, el contrabajista <b>Pops Foster</b> o el batería <b>Paul Barbarin</b>.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN3XZDJMy4v2wtNSoTRDPHcHkX0LSczXkcUgXT2XKrCbUh0uQ8AnRbT4FpijhDqiivVvoA9v4AXedOoOeS-VIp1SNz7KsFkXDWgXwLPzvbgImds0DJz7p28kmniazLLp_LDEiRte3ramw/s1600/luisrussell02.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="296" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiN3XZDJMy4v2wtNSoTRDPHcHkX0LSczXkcUgXT2XKrCbUh0uQ8AnRbT4FpijhDqiivVvoA9v4AXedOoOeS-VIp1SNz7KsFkXDWgXwLPzvbgImds0DJz7p28kmniazLLp_LDEiRte3ramw/s400/luisrussell02.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">J.C. Higginbotham, Henry "Red" Allen, Luis Russell y Paul Barbarin en Chicago, 1942</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_Fkrf6KgCnl6ZFEaS-fR3fFZysUGGG8GXpymiNuEsYL8tX7-tnsVsRDPopsKVrqB9nAPclmyzftH2_0hN5-ylvAZSIpAjRwIvDD07F7N0ied-tpwd_ROTyeIXnuaQRwByUEWh-YRklLs/s1600/luisrussellarmstrong.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_Fkrf6KgCnl6ZFEaS-fR3fFZysUGGG8GXpymiNuEsYL8tX7-tnsVsRDPopsKVrqB9nAPclmyzftH2_0hN5-ylvAZSIpAjRwIvDD07F7N0ied-tpwd_ROTyeIXnuaQRwByUEWh-YRklLs/s320/luisrussellarmstrong.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Luis Russell y Louis Armstrong</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Los arreglos de Russell destacaban por ser siempre imaginativos y por el aire de modernidad con que les imbuía su artífice, lo cual ha llevado a varios críticos a considerar algunas de sus grabaciones de finales de los 20 y principios de los 30 como precursoras del <i>swing</i> que pronto triunfaría a lo largo y ancho del país. <b>Louis Armstrong</b>, a quien unía una gran amistad con Russell, aseguró en una ocasión que la banda del panameño era "sin duda, uno de los mejores conjuntos de músicos de <i>swing</i> que se pueden encontrar". Y Satchmo, claro, sabía de lo que hablaba, pues durante la década de los 30, cuando su carrera empezaba a tomar impulso, utilizó la orquesta de Russell como grupo de acompañamiento en grabaciones, programas de radio y giras, y a partir de 1935 acabó adueñándose de la banda y contratando a Russell como arreglista y director musical. Como resultado, el pianista dejó de actuar como líder a partir de 1934 y no volvería a ejercer como director hasta mediados de los años 40, aunque ya con un éxito mucho menor. En 1948, Russell abandonó definitivamente el mundo de la música, dedicándose a partir de entonces a otros negocios y abriendo primero una tienda de caramelos y después una de juguetes.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHejMT5SfW7Ft1rWjyWuRbgJTkycLM-wQu-8KOg-JNkjlF7Ia1zJnFQdO0GObHUncVOkTRoFk5NVkgKc-uLIH4wkkyMHte3l6IBRZ2zRgxO8i1uSKjBbrMZpd7tWDmq24RkLJlZLs0Vro/s1600/luisrussellcd.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjHejMT5SfW7Ft1rWjyWuRbgJTkycLM-wQu-8KOg-JNkjlF7Ia1zJnFQdO0GObHUncVOkTRoFk5NVkgKc-uLIH4wkkyMHte3l6IBRZ2zRgxO8i1uSKjBbrMZpd7tWDmq24RkLJlZLs0Vro/s320/luisrussellcd.jpg" width="315" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Russell falleció en Nueva York en diciembre de 1963, no sin antes visitar, en 1959, su Panamá natal para ofrecer, al parecer, un concierto de música clásica. Además de como arreglista, Russell destacó también como compositor, y a él debemos temas de la talla de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=fCi1oytNvp4" target="_blank">"Back O'Town Blues"</a> (que se incluyó durante años en el repertorio que Louis Armstrong interpretaba en sus conciertos), <a href="https://www.youtube.com/watch?v=CBaf67XK1wI" target="_blank">"Slow as Molasses"</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=YMq03yz-qQo" target="_blank">"Sad Lover Blues"</a>. Varios de ellos, así como el que usaba como sintonía para su banda, "The Call of the Freaks", están hábilmente teñidos de blues y son, como ya se ha dicho, magníficos ejemplos primerizos de <i>swing</i>. Las grabaciones de Luis Russell se han reeditado en CD, generalmente en ediciones que han corrido a cargo de sellos europeos y que no siempre son fáciles de conseguir. Por ejemplo, la discográfica ASV/Living Era publicó las recopilaciones <i>Saratoga Shout</i> y <i>Luis & Louis</i> (esta segunda documenta las colaboraciones con Satchmo), pero actualmente se encuentran descatalogadas. La mejor opción, si bien un tanto costosa, es el doble compacto <i>The Luis Russell Story</i> (Retrieval), que contiene grabaciones realizadas entre 1929 y 1934, más o menos el mismo período que cubren los dos volúmenes de <i>The Chronological Luis Russell and His Orchestra</i> (Classics Records). Sea cual sea la opción elegida para hacerse con la obra de Russell, el pianista panameño es uno de esos <i>jazzmen</i> pioneros que conviene redescubrir y disfrutar.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/LiZfYRF5NVA/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/LiZfYRF5NVA?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-69483781191906987032016-09-30T11:05:00.000-05:002016-09-30T11:05:15.345-05:00Postales de Jazz - Videocast No. 2 : Herbie Nichols<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe width="320" height="266" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/7vFxnPB9toU/0.jpg" src="https://www.youtube.com/embed/7vFxnPB9toU?feature=player_embedded" frameborder="0" allowfullscreen></iframe></div>
<br />
<br />
<span style="font-size: large;">En este segundo vídeo ofrezco una sucinta visión panorámica de la vida y de la carrera del pianista y compositor de jazz <b>Herbie Nichols</b>, uno de esos músicos adelantados a su tiempo y que, precisamente por ello, no gozaron en vida del reconocimiento que merecían. De hecho, Nichols se pasó la mayor parte de su carrera tocando <i>dixieland</i>, un estilo más tradicional que le interesaba mucho menos que el bebop más progresivo que podemos escuchar en los pocos discos que grabó para Blue Note o Bethlehem. Además, solía formar parte de bandas lideradas por músicos de talento mucho menor que el suyo, aunque es cierto que ocasionalmente llegó a dirigir sus propios grupos y a colaborar con grandes <i>jazzmen</i> como <b>J.J. Johnson</b>, <b>Gene Ammons</b>, <b>Sonny Stitt</b> o <b>Lucky Thompson</b>. Una buena fuente de información en inglés, que menciono en el vídeo, es el libro de <b>A.B. Spellman</b> <i>Four Lives in the Bebop Business</i>, que incluye un capítulo entero dedicado a Nichols. Los discos de los que hablo en el vídeo son el triple CD <i><b>The Complete Blue Note Recordings</b></i> (publicado en 1997 y nada fácil de conseguir), que contiene todas las sesiones que Nichols grabó para Blue Note en 1956, y <i><b>Love, Gloom, Cash, Love</b></i>, el único álbum que registró para Bethlehem en 1957.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnOgiHQZyMofNACGFElO5CGQgVCyOCaog6e9Mg-nJXoPplspOM6JPd8P2VQoFoF-CfInjGBedNN7bVHCjMXluZju6T88vGKqCYp70nRgTrHIjIxI1bffftT1cI_1N6ukvFr81iyjs6uKg/s1600/herbienichols.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="321" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnOgiHQZyMofNACGFElO5CGQgVCyOCaog6e9Mg-nJXoPplspOM6JPd8P2VQoFoF-CfInjGBedNN7bVHCjMXluZju6T88vGKqCYp70nRgTrHIjIxI1bffftT1cI_1N6ukvFr81iyjs6uKg/s400/herbienichols.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Herbie Nichols</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-80438669417067671482016-09-13T10:10:00.004-05:002016-09-13T11:00:38.555-05:00Howard Roberts - Good Pickin's<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1kKjjFAdwN2WdI2xXhyx3KhGQYNq3vs4dIIoYWjRJkR3uza-pNH2xSiiUu1mzFZOIkzrSQvYh-8jccC5cMZ_6VJdA91ObV_1YPzfxJuKMo0N15f9q8df7s-FStQzX9tMqjztYcviWPfs/s1600/howardrobertscd.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi1kKjjFAdwN2WdI2xXhyx3KhGQYNq3vs4dIIoYWjRJkR3uza-pNH2xSiiUu1mzFZOIkzrSQvYh-8jccC5cMZ_6VJdA91ObV_1YPzfxJuKMo0N15f9q8df7s-FStQzX9tMqjztYcviWPfs/s320/howardrobertscd.jpeg" width="320" /></a></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><b>Verve, 1959</b></span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">Si en el vídeo que publiqué en la entrada anterior hablábamos de <b>Dempsey Wright</b>, toca hoy abordar brevemente la carrera de otro guitarrista, que fue, además, contemporáneo de Wright y que, como él, no es demasiado conocido en la actualidad. Me refiero a <b>Howard Roberts</b>, un magnífico <i>jazzman</i> que se pasó la mayor parte de su carrera desviándose por otros derroteros que no tenían nada que ver con el jazz. Así, como músico de sesión, participó en éxitos del pop-rock de los años 50, como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=nYt-igGfblA" target="_blank">"Sittin' in the Balcony"</a> de <b>Eddie Cochran</b> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=aORD1aRz_qI" target="_blank">"Endless Sleep"</a> de <b>Jody Reynolds</b>, y su guitarra suena en las sintonías de programas de televisión legendarios como <i>Bonanza</i>, <i>The Twilight Zone</i>, <i>Peter Gunn</i> o <i>Misión imposible</i>. Vamos, un ejemplo perfecto de un músico que se veía obligado a interpretar diversos estilos musicales con objeto de llegar a fin de mes. Nacido en Phoenix (Arizona) en 1929, Roberts se interesó por la guitarra a muy temprana edad, y tras mudarse a Los Ángeles en 1950, se hizo un hueco en la escena del jazz de la Costa Oeste de la época, colaborando con grandes nombres como <b>Bobby Troup</b>, <b>Neal Hefti</b>, <b>Chico Hamilton</b>, <b>Henry Mancini</b> o el guitarrista <b>Barney Kessel</b>, que se convertiría en una influencia importante. En los años 60 pasó a formar parte del grupo de músicos de sesión conocidos como The Wrecking Crew, y fue entonces cuando su actividad en los estudios de grabación se intensificó, si bien en la mayor parte de los casos su trabajo no estaba relacionado de manera directa con el jazz. Se interesó también por la enseñanza musical, escribiendo columnas para pubicaciones especializadas y dando clases a lo largo y ancho de los Estados Unidos. Por desgracia, un cáncer se lo llevó en 1992, cuando vivía en Seattle, acabando así con la carrera de un hombre cuya actividad musical fue verdaderamente febril durante décadas.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXPPARUnGrRHTsHSkDoOMGr5oI3-D241njMVtdlCUyMwOQ-o_qA8SoZAQtkSXN5o4zItyXMvlo3r-9MLL50UXJGUiUNbv2t3WovcW8c1ddHfQDrG3Z5TWGOaU3iYMiTAqPX-GyFVl2oTI/s1600/howardroberts.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXPPARUnGrRHTsHSkDoOMGr5oI3-D241njMVtdlCUyMwOQ-o_qA8SoZAQtkSXN5o4zItyXMvlo3r-9MLL50UXJGUiUNbv2t3WovcW8c1ddHfQDrG3Z5TWGOaU3iYMiTAqPX-GyFVl2oTI/s320/howardroberts.jpg" width="235" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Howard Roberts</td></tr>
</tbody></table>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;">La discografía jazzística de Roberts no es, como ya se ha dicho, demasiado prolífica; eso sí, casi todo lo que grabó dentro del jazz tiene un indudable interés, en especial los dos discos que registró para Verve en la década de los 50: <i>Mr. Roberts Plays Guitar</i> y <i><b>Good Pickin's</b></i>. El segundo, grabado en 1959, es el que aquí nos ocupa, una sesión en la que la guitarra de Roberts está arropada por <b>Pete Jolly</b> al piano, <b>Red Mitchell</b> al contrabajo, <b>Stan Levey</b> a la batería y <b>Bill Holman</b> al saxo tenor (Holman se encarga también de los arreglos, junto con el gran <b>Marty Paich</b>). Es decir, el quinteto está formado por la flor y nata de los músicos del cool jazz de la Costa Oeste, y por supuesto, no defraudan en absoluto. El repertorio está elegido con ojo clínico: standards del calibre de "Easy Living", <a href="https://www.youtube.com/watch?v=n4H05PYkkYA" target="_blank">"The More I See You"</a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=OAgmWoA5q20" target="_blank">"All the Things You Are"</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=_JWag5CCqk4" target="_blank">"Between the Devil and the Deep Blue Sea"</a>, mezclados con temas menos conocidos como el <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Y4gjCxvVX0g" target="_blank">"Will You Still Be Mine"</a> de <b>Matt Dennis</b>, e incluso incursiones en el <i>bebop</i> de la mano de <b>Charlie Parker</b> y su <a href="https://www.youtube.com/watch?v=C5UOe5EWJPc" target="_blank">"Relaxin' at Camarillo"</a>. Los arreglos funcionan a la perfección, asegurándose de que Roberts lleve la batuta, pero permitiendo también que los demás músicos—sobre todo Holman y Jolly—disfruten de espacio para contribuir solos de enorme interés. En baladas como "Easy Living", y sobre todo, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=znAT2PFE82k" target="_blank">"Lover Man"</a>, Roberts explora su lado más lírico y sensual, y el álbum se cierra precisamente con una pieza compuesta por el guitarrista (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=SAbdJixVAxM" target="_blank">"Terpsichore"</a>), una melodía sencilla en clave de blues que se convierte en vehículo para el lucimiento de toda la banda. En definitiva, un elepé poco conocido pero altamente recomendable, que nos hace desear que Roberts hubiese grabado menos música comercial y se hubiese dedicado más al jazz. Sus discos para Verve y el que grabó para el sello Concord casi veinte años más tarde, <i>The Real Howard Roberts</i>, constituyen buenos ejemplos de su buen hacer dentro del universo jazzístico.</span><br />
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/neuUsWEyqYo/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/neuUsWEyqYo?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<span class="Apple-style-span" style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-45236036234290928962016-08-27T11:04:00.002-05:002016-09-09T11:04:00.248-05:00Postales de Jazz - Videocast No. 1 : Bobby Hutcherson, Toots Thielemans, Dempsey Wright, Red Norvo<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/xZi1WWaRalk/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/xZi1WWaRalk?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
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<span style="font-size: large;"><br /></span>
<span style="font-size: large;">Llevaba un tiempo sin publicar nada en este blog, aunque sí he continuado mi actividad en mi página sobre jazz en inglés, <i><a href="http://jazzflashes.blogspot.com/" target="_blank">Jazz Flashes</a></i>. Pero esta semana he tenido tiempo para poner en práctica una idea que un par de amigos me han sugerido: la creación de un <i>videocast</i> sobre jazz en español. La primera entrega es ésta que podéis ver aquí arriba, un breve vídeo de poco más de un cuarto de hora, en el que repasamos a vuelapluma las carreras de los recientemente fallecidos <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=c6P4ckoHqlY" target="_blank">Bobby Hutcherson</a></b> y <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=94Pq5ju5QI4" target="_blank">Toots Thielemans</a></b>. Los discos de Hutcherson que menciono son <i>Dialogue</i> (1965), <i>Happenings</i> (1966) y <i>Total Eclipse</i> (1968), y el de Thielemans que comento es <i>Man Bites Harmonica</i> (1958). Además, recomiendo dos discos poco conocidos de finales de los años 50: <i><b>The Wright Approach</b></i>, del guitarrista <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=Y96sawbRZe0" target="_blank">Dempsey Wright</a></b> y <b><i>Red Plays the Blues</i></b>, del vibrafonista <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=U2m5wwBHZD4" target="_blank">Red Norvo</a></b>. Espero que os guste, y si es así, pensaré en crear otros vídeos similares en un futuro.</span><br />
<span style="font-size: large;"><br /></span>
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPrZtMUtOaiRzc1kvfVxmZQhkNtvrnLe7GwynJ8CC-oUC2iFkbP5JKTBynVvU1ovPCvb3DvlQ8TnP1xUkaRAgf1W-1xAY1FD32-DOICWIE7xoIyMMVkZyL1dPiIpKBAinrLyjzzudcmZ0/s1600/hutcherson.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPrZtMUtOaiRzc1kvfVxmZQhkNtvrnLe7GwynJ8CC-oUC2iFkbP5JKTBynVvU1ovPCvb3DvlQ8TnP1xUkaRAgf1W-1xAY1FD32-DOICWIE7xoIyMMVkZyL1dPiIpKBAinrLyjzzudcmZ0/s400/hutcherson.jpg" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bobby Hutcherson (1941-2016)</td></tr>
</tbody></table>
<span style="font-size: large;"><br /></span>Unknownnoreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-40594914128494717772016-01-21T09:11:00.001-06:002016-01-22T10:35:33.765-06:00Archie Shepp & Horace Parlan - Trouble in Mind<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhubT5S1Pg-h1kLNOBl01fh-uybGrPDLrzE9l8Bhm2O5Y5xulWvn4oCNKRDeVemb46j6vul3aDjbN6QXLzmUbBK9GvqCVHC0ZEJi2F1Li8ke4CyKGixRa55_HxP2xzkd26JFaHCJR9VVP4/s1600/sheppparlantrouble.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhubT5S1Pg-h1kLNOBl01fh-uybGrPDLrzE9l8Bhm2O5Y5xulWvn4oCNKRDeVemb46j6vul3aDjbN6QXLzmUbBK9GvqCVHC0ZEJi2F1Li8ke4CyKGixRa55_HxP2xzkd26JFaHCJR9VVP4/s320/sheppparlantrouble.jpg" width="320" /></a></div>
<i>Iniciamos el nuevo año comentando un disco excepcional a la vez que inusual en las carreras de sus protagonistas: una colaboración entre el saxofonista Archie Shepp y el pianista Horace Parlan grabada en Europa a finales de los años 70, y con el blues como motivo principal.</i><br />
<br />
<b>SteepleChase, 1980</b><br />
<br />
Durante la década de los 60, el saxofonista <b>Archie Shepp</b> (nacido en Fort Lauderdale, en el estado de Florida en 1937) pululó a sus anchas por las vanguardias del jazz, distinguiéndose por grabar discos rompedores y originales como <i>Four for Trane </i>(1964), <i>Fire Music </i>(1965), <i>New Thing at Newport</i> (1965) o <i>The Magic of Ju-Ju </i>(1967), entre muchos otros, que fueron abriendo las puertas a la nueva tendencia que se conocería con el nombre de <i>free jazz</i>. A medida que avanzaba la década, Shepp continuó interesado en la experimentación, llegando a incluir poesía declamada en sus elepés y creando una música cada vez más influida por los ritmos africanos, que solía ir más allá de lo artístico para convertirse en un explícito manifiesto de tipo político y social, una protesta en forma de música ante la opresión, la injusticia y la discriminación. Apreciamos esto, por ejemplo, en álbumes como <i>Kwanza </i>(1969), <i>Poem for Malcolm </i>(1969), <i>Yasmina, a Black Woman</i> (1969) o <i>Attica Blues </i>(1972), el último de los cuales está inspirado explícitamente en las revueltas que tuvieron lugar en la prisión de Attica State.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLk8si-1V9zGjQp_ya8zyoke8C_79Fk2yz0nLcV3fKqOgxbXwD6_1JbgzpXf0D1KoI9XT15zOV1-cdBGAQzbyJiPAaATCDMDaAUfgVyZx4d0k2glf4T4O9GkSi6684B8JKDeFEHFqvwws/s1600/parlan.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLk8si-1V9zGjQp_ya8zyoke8C_79Fk2yz0nLcV3fKqOgxbXwD6_1JbgzpXf0D1KoI9XT15zOV1-cdBGAQzbyJiPAaATCDMDaAUfgVyZx4d0k2glf4T4O9GkSi6684B8JKDeFEHFqvwws/s320/parlan.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Horace Parlan</td></tr>
</tbody></table>
Hacia la mitad de los años 70, Shepp fue difuminando paulatinamente este lado combativo de su música. pero jamás dejando atrás su interés por los ritmos africanos, que consideraba fundamentales en la formación de su sonido, así como parte esencial del ADN de la música negra en general. Por esta época, Shepp comenzó a viajar frecuentemente a Europa, tocando en diversos países europeos y realizando grabaciones para discográficas del Viejo Continente. Entre estos proyectos, dos de los más interesantes son los dos dúos que registró en Dinamarca junto al pianista <b>Horace Parlan</b> y que fueron publicados por el sello SteepleChase. El primero de estos discos, <i>Goin' Home</i>, vio la luz en 1977 y contiene una serie de reinterpretaciones de temas gospel y espirituales negros como "Amazing Grace", "Nobody Knows the Troubles I've Seen," "Sometimes I Feel Like a Motherless Child" y "Swing Low, Sweet Chariot", ejecutados con una emotiva reverencia por los dos músicos, que recrean las melodías a su antojo pero poniendo énfasis en el sentimiento que cada nota desprende. Se trata de un disco altamente recomendable que merece ser tratado con mayor profundidad en otra ocasión.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje0dm7h5Zc_g-GF3uphosuYQ-eprurm-oo1lcHFpL-qsPsBCUomsZoMSPJErc3VXyyXR5s9GgpiLx9QnaXvg44mvlKPpgipijKhWBD4Vb0czGu8t6zwJJpfxmDaXGZ-aYRq3fF3T7V1gI/s1600/shepp.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje0dm7h5Zc_g-GF3uphosuYQ-eprurm-oo1lcHFpL-qsPsBCUomsZoMSPJErc3VXyyXR5s9GgpiLx9QnaXvg44mvlKPpgipijKhWBD4Vb0czGu8t6zwJJpfxmDaXGZ-aYRq3fF3T7V1gI/s320/shepp.jpeg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Archie Shepp</td></tr>
</tbody></table>
Pese a la división de opiniones que caracterizó a la recepción crítica del álbum, sin duda tanto Shepp como Parlan quedaron satisfechos con el resultado artístico de esta exploración de la música religiosa, pues tan sólo tres años después, en 1980, se reunieron de nuevo para grabar otro disco juntos, que es el que nos interesa aquí. Titulado <i><b>Trouble in Mind</b></i>, este nuevo trabajo se centra en la música secular afroamericana, particularnente en el blues tradicional y en lo que en los años 20 se dio en llamar "blues clásico", cultivado por <b>Bessie Smith</b> o <b>Ma Rainey</b>, entre otras grandes figuras del género. Precisamente un tema ligado a Bessie Smith, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=ODEVJNB1f6c" target="_blank">"Backwater Blues"</a>, da inicio al disco, y desde un primer momento resulta ya evidente que la compenetración entre piano y saxo—que en algunos casos será soprano y en otros tenor—es total y que nos encontramos ante un disco muy especial. Parlan lleva la manija del ritmo en todas las piezas, mientras que Shepp utiliza la melodía de cada una de ellas como excusa para improvisar con enorme reverencia y delicadeza, creando algo nuevo sobre la base de algo clásico. Así ocurre con composiciones de <b>W.C. Handy</b> ("Careless Love"), <b>Leroy Carr</b> ("How Long Blues") o <b>Earl Hines</b> (el fabuloso <a href="https://www.youtube.com/watch?v=0NlLpiKp_NM" target="_blank">"Blues in Thirds"</a>), así como con los blues de origen tradicional que conforman la mayor parte de la segunda cara del elepé, entre ellos temas tan conocidos como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=2X9kpc7hySU" target="_blank">"See See Rider"</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=DseHUtc8Lj8" target="_blank">"Make Me a Pallet on the Floor"</a>, y que Shepp transforma sutilmente, casi siempre a ritmo pausado y melancólico. Dos puntos álgidos de un disco absolutamente redondo son "Trouble in Mind", que da título al proyecto y, por supuesto, la versión de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=h9ggnSmdUr4" target="_blank">"St. James Infirmary"</a>, caracterizada por un aire fúnebre verdaderamente apropiado. En definitiva, nos hallamos ante un disco (un par de discos, si añadimos <i>Goin' Home</i> a la lista) único en la carrera de Shepp y Parlan, un álbum que supone una radiografía jazzística de la íntima relación entre blues y jazz y un regreso y un homenaje a las raíces estilísticas de ambos músicos.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen="" class="YOUTUBE-iframe-video" data-thumbnail-src="https://i.ytimg.com/vi/j0LtFNbioWI/0.jpg" frameborder="0" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/j0LtFNbioWI?feature=player_embedded" width="320"></iframe></div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-802455418844937842015-11-12T09:35:00.002-06:002015-11-12T09:35:54.366-06:00Herbie Brock - Brock's Tops<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlrfTDfwvdez1oFkcnLUoCEZV7NDlgdB58jXuj0r22jJUOXeygt8ExX2NVmNmNnS-C7DHzJthI6TQ2qUj7du1Xac82192bsspUh_40Trf-376thXOIPQYjVdPYfC7rzK809Mptcr6pGnw/s1600/brockcover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlrfTDfwvdez1oFkcnLUoCEZV7NDlgdB58jXuj0r22jJUOXeygt8ExX2NVmNmNnS-C7DHzJthI6TQ2qUj7du1Xac82192bsspUh_40Trf-376thXOIPQYjVdPYfC7rzK809Mptcr6pGnw/s320/brockcover.jpg" width="320" /></a></div>
<b>Savoy, 1956</b><br />
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Tras varios meses de silencio, regresamos con una nueva postal de jazz, en esta ocasión un intento por rescatar del olvido en el que se halla sumido a <b>Herbie Brock</b>, probablemente uno de los pianistas más desconocidos de la historia del jazz, lo cual es ciertamente injusto si escuchamos los pocos discos que nos legó. Ciego de nacimiento, Brock cursó estudios en una institución para invidentes en Batavia, Nueva York, donde aprendió a tocar el piano, el órgano y el saxo tenor, y comenzó a actuar en clubes en Rochester poco después de completar su educación. En estos primeros años llegó incluso a realizar algunas giras junto a su cuñado, que también era pianista, hasta que a principios de la década de los 50 se mudó a Florida, donde contrajo matrimonio y continuó tocando con notable éxito en varios locales. Es aquí donde se inicia su breve carrera discográfica, que lo llevaría publicar seis álbumes entre 1955 y 1965, la mayor parte de los cuales son bastante difíciles de conseguir en la actualidad, pues tan sólo dos de ellos han sido reeditados en formato digital. Después de este período de diez años, que se sepa, Brock no volvió a pisar un estudio de grabación, si bien siguió actuando en diversos clubes durante los años 60, 70 y 80, restringiendo su radio de acción, eso sí, principalmente al estado de Florida.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMzk8zluCVqgC9uXwRb_kwNQhL0miS8cx2KiRf-6BtXXOHQJqO_-YAdyzk40iDA8xNO_E2KyDjzx6ISlrpid9qY51WPjGsYi1ogYQDTIFrOaRBs23-dDwrESxSv6LYRSqEDy-y8Yw2qG4/s1600/brock1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMzk8zluCVqgC9uXwRb_kwNQhL0miS8cx2KiRf-6BtXXOHQJqO_-YAdyzk40iDA8xNO_E2KyDjzx6ISlrpid9qY51WPjGsYi1ogYQDTIFrOaRBs23-dDwrESxSv6LYRSqEDy-y8Yw2qG4/s320/brock1.jpg" width="320" /></a></div>
El disco que nos ocupa, <i><b>Brock's Tops</b></i>, fue grabado en una sola sesión el 15 de febrero de 1956 para el sello Savoy, y según las notas originales del elepé, es un registro en directo realizado en el Onyx Club de Miami. Sin embargo, no se escucha ningún ruido procedente de la audiencia, por lo que o bien nadie asistió a las sesiones, o bien—y esto parece menos probable—se eliminaron posteriormente los aplausos del público. El elepé incluye ocho temas en los que Brock está acompañado por su trío habitual en esos años: <b>Brooks Caperton</b> al contrabajo y <b>Rick Hanson</b> a la batería. Estamos ante un documento sonoro ideal para apreciar el atractivo estilo de Brock, resultado de una mezcla entre el <i>swing</i> de <b>Art Tatum</b> (su ídolo de juventud y primera influencia), que podemos escuchar en esas cascadas de notas que a veces desliza en sus interpretaciones, y las innovaciones más <i>bop</i> de <b>Bud Powell</b>. El repertorio está compuesto, en su mayor parte, por <i>standards</i> ("If It's the Last Thing I Do", "The Moon Was Yellow", <a href="https://www.youtube.com/watch?v=GZIS_xgzcis" target="_blank">"There'll Never Be Another You"</a>, "Sweet and Lovely" y "Willow Weep for Me") que constituyen vehículos perfectos para que Brock dé rienda suelta a su imaginación y a su enorme talento improvisatorio, siempre apoyado de forma muy efectiva por contrabajo y batería. Su personal versión del <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Yv0-Ynxrdbk" target="_blank">"Four Brothers"</a> de <b>Jimmy Giuffre</b> es un buen ejemplo de la compenetración del trío, y el aplomo con el que Brock ataca la melodía e improvisa sobre ella convierte a esta pieza en uno de los puntos álgidos del disco.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZaHGJ4xf7xAK57aFbt9YYWrpAvwjPlmyknZdh_Vsf7i0_aMcw-QtzRAPb7JsCPQioAG3Qpp2q6LeRh6aTfh74xygwjGVEN1GDb-MdXxG7WzyzaaJN__RZmOUV97fT-Bh-SxH7DNVCfiA/s1600/brockschool.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="256" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZaHGJ4xf7xAK57aFbt9YYWrpAvwjPlmyknZdh_Vsf7i0_aMcw-QtzRAPb7JsCPQioAG3Qpp2q6LeRh6aTfh74xygwjGVEN1GDb-MdXxG7WzyzaaJN__RZmOUV97fT-Bh-SxH7DNVCfiA/s320/brockschool.jpeg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">La State School for the Blind de Batavia, donde estudió Brock</td></tr>
</tbody></table>
Finalmente, hay espacio también para dos composiciones propias de Brock: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=49Qz251_lJU" target="_blank">"Blues a Brock Long"</a> y "Brock Etude". La primera de ellas es un magnífico ejercicio bluesero a un tempo bastante ralentizado que demuestra que la música de Brock también halla sus raíces en el blues, y la segunda es uno de los mejores ejemplos de esa mezcolanza de <i>swing</i> y <i>bop</i>, de ese encuentro entre Tatum y Powell, que caracteriza el estilo del pianista. En definitiva, un disco absolutamente recomendable que merece salir de las tinieblas en las que ha dormido durante tantos años y que nunca he sido capaz de escuchar solamente una vez, sino que acabo poniéndolo dos o tres veces seguidas siempre que suena en mi tocadiscos. En el único artículo sobre Brock que he podido encontrar, escrito por <b>Marc Myers</b>, crítico de jazz del <i>Wall Street Journal</i> en su blog (y que puede leerse <b><u><a href="http://www.jazzwax.com/2014/07/herbie-brock-brocks-tops.html" target="_blank">aquí</a></u></b>), encontramos una descripción muy poética de Brock como "otro barco jazzístico que pasa en la noche". En efecto, el navío de Brock se desliza furtivamente por entre la oscuridad nocturna, pero la calidad de su música no pasa desapercibida.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvmfm53L4lxEinWaVA5Nfqq8z9hHZ8t92xO2_iThh3J20QWk8K2DNsCV-HyQt8zZ5kSdVRTN45-_qiJjobsb2Nq1V3cf-vdRiC93VLTwlkjUMj9vy5MRoCbuwcTHHVv_YnXf6I3o1wj2k/s1600/brock2.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="390" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhvmfm53L4lxEinWaVA5Nfqq8z9hHZ8t92xO2_iThh3J20QWk8K2DNsCV-HyQt8zZ5kSdVRTN45-_qiJjobsb2Nq1V3cf-vdRiC93VLTwlkjUMj9vy5MRoCbuwcTHHVv_YnXf6I3o1wj2k/s400/brock2.png" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><i>Herbie's Room</i>, el otro álbum de Brock que puede encontrarse en CD</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-42182514556166866992015-05-07T11:08:00.002-05:002015-05-07T12:40:33.344-05:00Stuff Smith & Oscar Peterson<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNcKpAm1pny7cTHhNfcZSqVYd8hbFhF10ABq99CHWPxbnyHTbVNp3P7Qfl1ZQx5pJW1moIkgcoYAGAHqLEZ3gqPnq9rM1bh_1vCkldHXD8XrpRBEFXdIuE2GmPXv39oxBUoHLCs2AQZSw/s1600/stuffsmithcover.png" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="312" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNcKpAm1pny7cTHhNfcZSqVYd8hbFhF10ABq99CHWPxbnyHTbVNp3P7Qfl1ZQx5pJW1moIkgcoYAGAHqLEZ3gqPnq9rM1bh_1vCkldHXD8XrpRBEFXdIuE2GmPXv39oxBUoHLCs2AQZSw/s320/stuffsmithcover.png" width="320" /></a></div>
<b>Poll Winners, 2010</b><br />
<br />
Quizá no sea el violín el primer instrumento que nos viene a la mente cuando pensamos en jazz, pese a que a lo largo de la historia del género no han faltado violinistas de reconocido virtuosismo, como <b>Joe Venuti</b>, <b>Stéphane Grappelli</b>, <b>Ray Nance</b> o, más recientemente, <b>Jean-Luc Ponty</b>. Y entre los <i>jazzmen</i> que eligieron el violín como instrumento principal y ayudaron a forjarle un lugar dentro del jazz sobresale especialmente <b>Stuff Smith</b>, un hombre con un excepcional sentido del swing que, según sus propias palabras, le fue inspirado nada más y nada menos que por <b>Louis Armstrong</b>. Nacido en Portsmouth, Ohio, en 1909, Hezekiah Leroy Gordon Smith, que ése era su nombre completo antes de adquirir el apodo de "Stuff", ya tocaba el violín en una banda dirigida por su padre a los nueve años y comenzó su carrera profesional en la década de los veinte en la orquesta de <b>Alphonse Trent</b>, una <i>territory band</i> que limitaba su radio de acción al estado de Tejas. Con la llegada de la Era del Swing, Smith no tardaría en hacerse popular en el famoso Onyx Club neoyorkino, cuya clientela estaba formada mayormente por músicos. Tras liderar su propia banda durante varios años y destacar como uno de los primeros violinistas de jazz en electrificar el instrumento, Smith acabaría mudándose a Copenhague en 1965, y en Europa pasó los dos últimos años de su vida, encontrando allí una acogida mucho más calurosa para su música que en su país natal.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9NxDRQD4o9wcTMrEbbhPbH0agkRzg6f3PJoRTFyQuSSgfqUvT2T4vAHMKCaZ9yi7AA9-bbgqnAj8QA5j0Xn2TPGGKMTHuIbXL6PTkQ-ttjW6EOdsmbmnMCoZmxbtYckHZis1yhTj0a9s/s1600/stuffsmith2.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg9NxDRQD4o9wcTMrEbbhPbH0agkRzg6f3PJoRTFyQuSSgfqUvT2T4vAHMKCaZ9yi7AA9-bbgqnAj8QA5j0Xn2TPGGKMTHuIbXL6PTkQ-ttjW6EOdsmbmnMCoZmxbtYckHZis1yhTj0a9s/s320/stuffsmith2.jpg" width="300" /></a></div>
Si bien sus primeras grabaciones datan de 1928 y su participación al violín y a la parte vocal en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=k5L524P97Jw" target="_blank">"I'Se a-Muggin'"</a> es legendaria, Smith no grabó demasiados discos de larga duración, pero el que nos ocupa, editado originalmente en 1957 simplemente bajo el título de Stuff Smith, es uno de los puntos álgidos de su discografía, tanto por la calidad de sus interpretaciones como por la contribución de los músicos que lo acompañan, un cuarteto estelar formado por <b>Oscar Peterson</b> al piano, <b>Barney Kessel</b> a la guitarra, <b>Ray Brown</b> al contrabajo y <b>Alvin Stoller</b> a la batería. La sesión tuvo lugar en Los Ángeles el 7 y el 12 de marzo de 1957, y la reedición en CD a cargo del sello barcelonés Poll Winners, retitulada <i><b>Stuff Smith & Oscar Peterson</b></i>, incluye los nueve temas grabados en dichas fechas, aunque el LP original sólo presentaba seis de ellos. La química entre todos los participantes se percibe claramente ya en el primer corte, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=aD7ZnSQRAKc" target="_blank">"Desert Sands"</a>, uno de los dos títulos que demuestran el talento de Smith como compositor. El otro es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=yFRzbLd3CQw" target="_blank">"Time and Again"</a>, que comienza con una serie de arabescos tocados casi en solitario por el violinista y va derivando en una balada melancólica y reflexiva que en algunos momentos recuerda al "Everything Happens to Me" de <b>Matt Dennis</b>. Como suele ser típico en grabaciones en las que el violín ocupa un lugar destacado, la guitarra de Kessel interactúa de una manera estrecha con Smith, que demuestra su virtuosismo a veces poco ortodoxo en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=M1hNnYyVuiw" target="_blank">"Soft Winds"</a>, tema compuesto por Fletcher Henderson en el que el violinista da rienda suelta a su imaginación improvisatoria.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHLvHS65wBLyGAB1I1qLYFq0FI8ty0ezYgOXXxz61odMIKuDNoNkUkas01uLWnRQ59kuzdXucOuigPVVY3pmQdhQCt1Z2vxzyMip6s6blD9tX4LexztiHxs4Cv6K88PVijciorRCLWOhA/s1600/oscarpeterson.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHLvHS65wBLyGAB1I1qLYFq0FI8ty0ezYgOXXxz61odMIKuDNoNkUkas01uLWnRQ59kuzdXucOuigPVVY3pmQdhQCt1Z2vxzyMip6s6blD9tX4LexztiHxs4Cv6K88PVijciorRCLWOhA/s320/oscarpeterson.jpg" width="272" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Oscar Peterson</td></tr>
</tbody></table>
Smith siempre fue aplaudido por aficionados y críticos por haber sido capaz de crear un estilo propio que auna swing e innegables toques melódicos, algo que llevó a ciertos críticos a referirse a él como "el Paganini palpitante". Podemos observar esto en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=mfacBHy7oxU" target="_blank">"It Don't Mean a Thing"</a> (donde también brillan Peterson y Kessel) y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=acNM_RQ7xW0" target="_blank">"I Know That You Know"</a>, melodía de <b>Vincent Youmans</b> que era una de las preferidas de Smith. De hecho, en el disco <i><a href="http://postalesdejazz.blogspot.com/2013/09/nat-king-cole-after-midnight-complete.html" target="_blank">After Midnight</a></i>, de <b>Nat King Cole</b>, Stuff aparece como estrella invitada acompañando al Rey Cole precisamente en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Y8Jhb8dUbxc" target="_blank">este tema</a>. Pero en el estilo de Smith se detectan también elementos propios del blues, como podemos escuchar en su versión del <a href="https://www.youtube.com/watch?v=UdoTgIbrIPA" target="_blank">"Things Ain't What They Used to Be"</a> de <b>Duke Ellington</b>, en la cual el quinteto se empapa de la sensibilidad bluesera del violinista. Del repertorio de Ellington procede también <a href="https://www.youtube.com/watch?v=GENHgkYhw30" target="_blank">"In a Mellow Tone"</a>, una pieza a medio tiempo que ofrece a Smith, Peterson y Kessel la oportunidad de elaborar solos extensos de enorme interés sobre los que se cierne siempre la sombra del blues, lo cual es siempre bienvenido. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=LU3KPW2z0CY" target="_blank">"Heat Wave"</a>, el clásico de <b>Irving Berlin</b>, es una melodía pegadiza de influencias latinas sobre la que Smith improvisa incansablemente, haciendo gala de su capacidad de tocar el violín, según él mismo comentó en una ocasión, "como si se tratase de una trompeta". Aquí, como en el resto del disco, la guitarra y el piano adquieren un gran protagonismo, algo que también ocurre en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=irBwK0UP738" target="_blank">"Body and Soul"</a>, otra de las pocas baladas grabadas en esta sesión, que es el más largo de los cortes del álbum, llegando casi a los diez minutos y medio.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfYbfZ1OSfbxy8QbLf93XKxlqS7o7eoaejrajoyUvihEUDgKKQJQtGAPqKitHhwmXM8YIj_amCkTPuNYMTC9pHW_-_SK76oBTueAsd_3Sch7g9-08_85BO8wr0v4cq_hySvlhCiCbjeMM/s1600/barneykessel.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="271" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfYbfZ1OSfbxy8QbLf93XKxlqS7o7eoaejrajoyUvihEUDgKKQJQtGAPqKitHhwmXM8YIj_amCkTPuNYMTC9pHW_-_SK76oBTueAsd_3Sch7g9-08_85BO8wr0v4cq_hySvlhCiCbjeMM/s320/barneykessel.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Barney Kessel</td></tr>
</tbody></table>
En su crítica del disco original para la prestigiosa revista <i>Down Beat</i> allá por 1957, <b>Leonard Feather</b> subraya con claridad lo que resulta evidente escuchando estas grabaciones: que Stuff Smith es sinónimo de swing. Y Feather añade, acertadamente, que "no existe ser humano en la tierra o en el cielo que pueda superar a Smith cuando se trata de tocar swing". La reedición en CD está tan cuidada como todas las de la discográfica española Poll Winners, e incluye nuevas notas a cargo de <b>Arnold Marcus</b>, junto a las notas originales anónimas, la mencionada crítica de Feather y algunas fotografías. Además, el compacto se completa con dos temas grabados también en la ciudad angelina unos meses antes, el 7 de febrero de 1957, en una sesión liderada por Smith en la que está acompañado por el malogrado pianista <b>Carl Perkins</b>, el contrabajista <b>Red Callender</b> y el batería <b>Oscar Bradley</b>. Pese a las contribuciones de Perkins, la estrella es claramente Smith, quien también compuso las dos piezas, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=4yGH7pKa3GY" target="_blank">"Calypso"</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lbLSXD8amUo" target="_blank">"I Wrote My Song"</a>. Aunque existen otros discos suyos que son también recomendables, la indiscutible calidad de estas grabaciones convierten a este CD en el lugar más indicado para acercarse a la valiosa obra de Stuff Smith, uno de los referentes del violín en el jazz.<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgReizslkyEmOffVaehIF1Gh_Dd9WdDnHi0_N06pUITUJfxYrd6DlemkLpeWTo0uda9pYCxfBH13W7C6aB6TVoNU58YpGE6Nh5sUodI1gbISu7NJXpqRA1w7J_rHsz5nQpxF5E2a2aLdEs/s1600/stuffsmith.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="316" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgReizslkyEmOffVaehIF1Gh_Dd9WdDnHi0_N06pUITUJfxYrd6DlemkLpeWTo0uda9pYCxfBH13W7C6aB6TVoNU58YpGE6Nh5sUodI1gbISu7NJXpqRA1w7J_rHsz5nQpxF5E2a2aLdEs/s400/stuffsmith.jpg" width="400" /></a></div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-87168712303767276442015-03-17T08:58:00.000-05:002015-03-17T08:58:08.354-05:00The Ray Draper Quintet Featuring John Coltrane<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtMUKP5YzaqimLLAl1gPKWhndoDd2OVqiwpq21xUL-y7M_35LZVuga_3jpdq4vWp-FSGLr6eTkiyyeZMRP-iKxM_KxdhZ2iJJiT__DADaBM7hblmc-zvCCHdFgMYPANFrmCEOcbhghFaQ/s1600/raydrapercover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtMUKP5YzaqimLLAl1gPKWhndoDd2OVqiwpq21xUL-y7M_35LZVuga_3jpdq4vWp-FSGLr6eTkiyyeZMRP-iKxM_KxdhZ2iJJiT__DADaBM7hblmc-zvCCHdFgMYPANFrmCEOcbhghFaQ/s1600/raydrapercover.jpg" height="315" width="320" /></a></div>
<b>Prestige / New Jazz, 1957</b><br />
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Si bien en los años veinte la tuba ocupó un lugar prominente en la sección rítmica de las bandas de jazz, en gran parte debido a que era más fácil de grabar que el contrabajo en una época en la que la tecnología fonográfica era todavía bastante rudimentaria, su uso fue menguando con la llegada de las grabaciones eléctricas a mediados de dicha década. Cuando encontramos ese instrumento en sesiones durante los años cuarenta y cincuenta, suele ser en el contexto de la recreación del sonido <i>dixieland</i> o, como en el caso que nos ocupa, si hablamos de un músico que trata de experimentar en el terreno del <i>bop</i> o el <i>hard bop</i>. Pero incluso en estas situaciones, los críticos suelen acercarse a este tipo de grabaciones desde el punto de vista de lo extraño, de la rareza, de la excepción que confirma la regla. Nacido en Nueva York en 1940, <b>Ray Draper</b> pasó una gran parte de sus 42 años de vida tratando de reivindicar el papel de la tuba como instrumento solista en el jazz, pero desgraciadamente, a pesar de sus indudables cualidades como instrumentista, su adicción a la heroína supuso un impedimento definitivo para una carrera que bien pudo haber sido mucho más prolífica. Aún así, los dos discos como líder que nos dejó merecen ser escuchados con atención, y al margen de ellos, el legado musical de Draper incluye sesiones junto a <i>jazzmen</i> de renombre como <b>Jackie McLean</b>, <b>Max Roach</b>, <b>Archie Shepp</b> o <b>Sonny Criss</b>. Y por si sus credenciales no fuesen suficientes, Draper estuvo además a la vanguardia de la fusión entre el jazz y el rock a finales de los años sesenta como componente del grupo <b>Red Beans & Rice</b>, cuya trayectoria resultó, sin embargo, demasiado breve.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirL7Jc0JZ5xc-rsJYJdyRxqNYf8j1oUvZEyHlmVFYXe0G7MFQt2HcANwwoQgjPpgJUw1wTZ6fCHkvmVAEmb3fbQPhlNHZqZy1lG-ckyFMV_wT5eZrIoZZFGn2z1rOtxmDLTtsfOVC0Ktk/s1600/raydraper.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirL7Jc0JZ5xc-rsJYJdyRxqNYf8j1oUvZEyHlmVFYXe0G7MFQt2HcANwwoQgjPpgJUw1wTZ6fCHkvmVAEmb3fbQPhlNHZqZy1lG-ckyFMV_wT5eZrIoZZFGn2z1rOtxmDLTtsfOVC0Ktk/s1600/raydraper.jpg" height="289" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El joven Ray Draper y su tuba</td></tr>
</tbody></table>
Los dos álbumes que se editaron bajo su nombre vieron la luz en 1957, cuando Draper contaba con apenas diecisiete años, y ya en el primero de ellos, <i>Tuba Sounds</i>, demuestra el joven músico su capacidad de invención incluso en un instrumento de posibilidades en principio tan limitadas como la tuba. Pero, sin duda, el más atractivo de los dos, y del que es objeto la presente postal, es el segundo, <i><b>The Ray Draper Quintet Featuring John Coltrane</b></i>, grabado el 20 de diciembre de 1957 en el estudio de <b>Rudy Van Gelder</b>. En esta sesión, como en la que conforma el disco anterior, encontramos a Draper en formación de quinteto, junto a <b>Gil Coggins</b> al piano, <b>Spanky DeBrest</b> al contrabajo, <b>Larry Richie</b> a la batería y, como ya anuncia el título, <b>John Coltrane</b> al saxo tenor. El propio Draper revela sus cualidades como compositor en los tres primeros temas del elepé: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=n1xLDkRmJMc" target="_blank">"Clifford's Kappa"</a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=QOXk7ESS_-k" target="_blank">"Filidia"</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=r-mPtA1l2pE" target="_blank">"Two Sons"</a>. Quizá debido al papel protagonista de la tuba, los tres cortes están presididos por un tono un tanto fúnebre, pero se convierten en vehículos más que adecuados para que Draper explore las posibilidades interpretativas de dicho instrumento, particularmente en solos que, pese a su considerable duración, mantienen siempre el interés del oyente. En varias ocasiones, Coggins sucede a Draper con solos bien estructurados y hábilmente ejecutados, y en ciertos momentos, Draper y Coltrane tocan al unísono, probando que tuba y saxofón pueden complementarse con éxito. Eso sí, siempre que Coltrane aporta un solo de saxo, con su característico tono enérgico y revestido de una innegable autoridad, sus cascadas de notas dibujan un marcado contraste con la gravedad del sonido de la tuba.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTBVNlWZMNU-_O0nUoz4LQeVhDfjD4g4vebLNRc24oeF4LvuM0yiy1Z938NjrGHqLxpSlIKI9wnrBMAnOB3t9VjI7FIbxJsCGjL2r6mZ-Y5NsfFW_rS9QCoiJs23FtDa2m96M8X1UQJEM/s1600/gilcoggins.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTBVNlWZMNU-_O0nUoz4LQeVhDfjD4g4vebLNRc24oeF4LvuM0yiy1Z938NjrGHqLxpSlIKI9wnrBMAnOB3t9VjI7FIbxJsCGjL2r6mZ-Y5NsfFW_rS9QCoiJs23FtDa2m96M8X1UQJEM/s1600/gilcoggins.jpg" height="320" width="292" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El pianista Gil Coggins</td></tr>
</tbody></table>
Algunos críticos, como Scott Yanow en la página web de <i><a href="http://www.allmusic.com/album/new-jazz-8228-mw0000873416" target="_blank">Allmusic</a></i>, han comparado los solos de Draper con los de Coltrane en este disco y han emitido un veredicto en favor del saxo tenor. Esto me parece, cuando menos, injusto por dos razones principales: en primer lugar, no cabe comparar la versatilidad de la tuba con la del saxo tenor; por otro lado, Coltrane es una de las mayores figuras de la historia del jazz, mientras que el de Draper no pasa de ser un nombre oscuro y más bien desconocido. Además, conviene subrayar la audacia del <i>jazzman</i> neoyorkino al atreverse a enfrentar las limitaciones de la tuba con las prácticamente inagotables posibilidades del saxo de Trane. Aún así, como digo, hay instantes casi mágicos, como el inicio de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=J_FWR_XTlCE" target="_blank">"Paul's Pal"</a>, una pieza compuesta por <b>Sonny Rollins</b>, en los que ambos instrumentos se nos presentan hermanados y apoyándose mutuamente, y en este tema en particular, el piano de Coggins suena casi tan percusivo como el contrabajo, la batería o la propia tuba. "Paul's Pal" contrasta fuertemente con los tres primeros cortes del elepé por el desenfado y la alegría que transmite, algo que también puede decirse de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=gt1tGiS8dIo" target="_blank">"Under Paris Skies"</a>, sobre todo durante el diálogo de carácter más íntimo que se establece entre Draper y Coltrane, con la ayuda inestimable de Coggins, que firma aquí una de sus intervenciones más logradas. Trane no participa en el tema que cierra el disco, una breve versión prácticamente a dúo entre tuba y piano del eterno <i>standard</i> de <b>Ray Noble</b> <a href="https://www.youtube.com/watch?v=n1QNwnmDgAk" target="_blank">"I Hadn't Anyone Till You"</a>. Lejos de acusar la falta de Coltrane, esta interpretación es testimonio de la habilidad e imaginación de quien maneja la tuba y, a pesar de que concluye de una manera algo abrupta, acaba por convencernos de que, después de todo, quizá a Draper no le faltaba razón al reivindicar la tuba como instrumento solista en el jazz. Es, pues, una lástima que este álbum no goce de mayor reconocimiento y que Draper, diezmado por su drogadicción, no fuese capaz de mantener a flote una carrera que pudo ser todavía más interesante de lo que fue y que terminaría trágicamente en 1982 cuando el músico, ya limpio de narcóticos, fue asesinado a sangre fría por el líder de una banda de delincuentes juveniles que acababa de atracarlo a la salida de un banco.<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6-U5Yy0f6pTzfCVDTsjgUpMXgDu82S3ZAOXmAYhQURuGvFW4VW_FKHo-Uydg9BY-feUFlmYR0SkIwOVm76akUSK_0CIv5-JXHU9O5EyWzeL-PPCaBusCMpo8M-WQyq5jKwS7nOmTDnfw/s1600/johncoltrane.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6-U5Yy0f6pTzfCVDTsjgUpMXgDu82S3ZAOXmAYhQURuGvFW4VW_FKHo-Uydg9BY-feUFlmYR0SkIwOVm76akUSK_0CIv5-JXHU9O5EyWzeL-PPCaBusCMpo8M-WQyq5jKwS7nOmTDnfw/s1600/johncoltrane.jpg" height="240" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">John Coltrane y su saxo tenor brillan en una sesión diferente y sorprendente.</td></tr>
</tbody></table>
Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-62303668161943834622015-02-21T11:39:00.001-06:002015-02-21T11:39:43.621-06:00Georgie Fame - The Two Faces of Fame<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj99G7vxAEcG4sF3zElBFdW94lLKJpO2T7dW5kM-ZQDikbb78pNwGd_YBfVHOrBPSoikkXZ-Kp8peZxoJ4IHAuE1A7XCzVt8AcgpKAv1uuYtzCU1K6BHqGpvQR_O8NCwOKf6Hf_5hU-p5o/s1600/georgiefamecover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj99G7vxAEcG4sF3zElBFdW94lLKJpO2T7dW5kM-ZQDikbb78pNwGd_YBfVHOrBPSoikkXZ-Kp8peZxoJ4IHAuE1A7XCzVt8AcgpKAv1uuYtzCU1K6BHqGpvQR_O8NCwOKf6Hf_5hU-p5o/s1600/georgiefamecover.jpg" height="318" width="320" /></a></div>
<b>CBS, 1967</b><br />
<br />
Reconozco que le guardo un cariño especial a este disco, pues fue el primero de <b>Georgie Fame</b> que escuché, siendo todavía adolescente, y a través de él entré en su música. Sin embargo, no es una mera nostalgia la que me lleva a dedicarle esta postal, ya que se trata de uno de los discos más jazzísticos, y en mi opinión, uno de los mejores de toda la carrera de Fame. Nacido cerca de la ciudad inglesa de Manchester en 1943, su verdadero nombre era Clive Powell, y pronto se interesó por el piano a través de la música de <b>Jerry Lee Lewis</b> y <b>Fats Domino</b>, dos de los grandes pianistas de los primeros años del rock'n'roll. Un encuentro en Londres con el cazatalentos <b>Larry Parnes</b>, que dirigía las carreras de jóvenes valores del rock británico como <b>Billy Fury </b>y <b>Marty Wilde</b>, resultó en la adopción del nombre artístico de Georgie Fame. Bajo su nueva identidad, Fame pasó a formar parte de los Blue Flames, la banda de acompañamiento de Fury, sin duda la mayor estrella de la factoría de Parnes, y en 1961, cuando Fury decidió que ya no precisaba de los servicios de la banda, Fame se erigió en líder de la misma, que en cierto momento llegó a contar con los servicios de un jovencísimo <b>John McLaughlin</b> a la guitarra. A pesar del éxito de sus actuaciones en directo, los primeros singles de los Blue Flames, cuya música tenía más que ver con el <i>beat</i> y el <i>rhythm and blues</i> que con el jazz, no tuvieron una gran acogida. Eso sí, el reconocimiento popular acabaría llegándole a Fame con canciones como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=yuoXzn6O8ZY" target="_blank">"Yeh Yeh"</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=JuF0WG3wZdo" target="_blank">"Get Away"</a>, que se encaramaron a lo más alto de las listas, convirtiendo a su artífice, como cabeza visible de los Blue Flames, en toda una estrella del pop británico.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxx5mN3Wo_EB32oKCJi-_fgBphEWo4pz63lND405sk_itX9EsXhV_fC8nZstP7RtD3Ivt07QN5UbCreFNi0SOfOrmNb0Pn2pt-TD9gtxh213PDySYaFgXKcB_o95ZXxg4bTeCGRXPLUAA/s1600/georgiefame1.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxx5mN3Wo_EB32oKCJi-_fgBphEWo4pz63lND405sk_itX9EsXhV_fC8nZstP7RtD3Ivt07QN5UbCreFNi0SOfOrmNb0Pn2pt-TD9gtxh213PDySYaFgXKcB_o95ZXxg4bTeCGRXPLUAA/s1600/georgiefame1.jpg" height="320" width="319" /></a></div>
Pero la trayectoria de los Blue Flames sería breve, pues en 1966, Fame se lanzó a una carrera en solitario y disolvió el grupo, pasando a registrar discos como <i>Sound Venture</i>, en el que otorgaba mayor protagonismo al jazz al hacerse acompañar por una <i>big band</i> dirigida por <b>Harry South</b>. De esta época data el LP que nos ocupa, <i><b>The Two Faces of Fame</b></i>, cuyo título, además del juego de palabras que encierra en inglés, hace referencia a las dos caras de Georgie Fame que presenta: un lado del disco contiene una aparición en directo en el Royal Festival Hall, y el otro incluye una serie de grabaciones de estudio. Pero, en realidad, son más de dos las caras de Fame que podemos descubrir en este disco, en el que el jazz va de la mano del <i>rhythm and blues</i> e incluso del <i>soul</i>. Según la contraportada, los temas en vivo fueron grabados en el Royal Festival Hall el 18 de marzo de 1967, y en ellos, Fame, que canta y toca el órgano y ocasionalmente la guitarra, aparece acompañado por dos bandas distintas. Por una parte, hay tres canciones en formación de septeto: <a href="https://www.youtube.com/watch?v=r_1UtSX4csg" target="_blank">"Green Back Dollar Bill"</a>, tema también interpretado por <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=ttnKrDGqhG0" target="_blank">Sam Butera</a></b>, el saxofonista de <b>Louis Prima</b>, y la magnífica <a href="https://www.youtube.com/watch?v=bcZHBGMbBKc" target="_blank">"River's Invitation"</a>, del Poeta del Blues, <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=pEUzfCHREpM" target="_blank">Percy Mayfield</a></b>, son incursiones en el rhythm and blues. Y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=3sOPU_qyjp0" target="_blank">"Things Ain't What They Used to Be"</a>, el clásico de <b>Duke Ellington</b>, es uno de los momentos más memorables del álbum, con un solo de órgano de Fame que se acerca indudablemente al soul. Por otra parte, Fame está acompañado en tres temas por la orquesta de Harry South, en la que destacan pesos pesados del jazz británico, como los saxofonistas <b>Tubby Hayes</b> y <b>Ronnie Scott</b>. Cantando con esta <i>big band</i>, Fame demuestra su gran sentido del <i>swing</i> y sus capacidades improvisatorias en cortes como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lNLBToUKXno" target="_blank">"Bluesology"</a>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=KBMUyMlk57w" target="_blank">"Don't Try"</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=mGznNqybP10" target="_blank">"Keep Your Big Mouth Shut"</a>, esta última compuesta por <b>Jon Hendricks</b>.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEe81KcstnlULkNkFx6csE9vB0-atVVKsQf3W1aWsSEYDVgRWnrsE1bhe7KXH_kUptqrz3cmUuH0nDOf4zedAkYZUpcHg1YoFLbwO47F4lYSt6iU27wpre68sM6eCq7DojW34aXMERSVQ/s1600/georgiefamegordon.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhEe81KcstnlULkNkFx6csE9vB0-atVVKsQf3W1aWsSEYDVgRWnrsE1bhe7KXH_kUptqrz3cmUuH0nDOf4zedAkYZUpcHg1YoFLbwO47F4lYSt6iU27wpre68sM6eCq7DojW34aXMERSVQ/s1600/georgiefamegordon.jpg" height="235" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Georgie Fame con el músico jamaicano "Psycho" Gordon</td></tr>
</tbody></table>
La segunda cara del disco nos invita a escuchar a Fame en el estudio, y excepto en el caso de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=ZmGm9atMG7M" target="_blank">"El Pussycat"</a>, la única pieza totalmente instrumental del LP, con un innegable sabor al soul de Memphis de <b>Booker T & The MGs</b>, se trata de una sesión puramente jazzística junto a <b>Peter King</b> al saxo tenor, <b>Gordon Beck</b> al piano, <b>Jeff Clyne</b> al contrabajo y <b>Terry Oxley</b> a la batería. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=cgvwB5zvMh4" target="_blank">"C'est La Vie"</a> es una hermosa balada grabada para Capitol por el <i>crooner</i> <b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=xloCiCud9OA" target="_blank">Dick Haymes</a></b> en los años 50, a la que Fame exprime toda la melancolía que encierra, y que destaca por un magnífico solo de saxo de King. En los tres temas restantes, Fame no oculta su admiración por <b>Chet Baker</b>, eligiendo tres temas grabados por el trompetista de Oklahoma, a quien no en vano dedicaría todo un álbum de homenaje en los años ochenta. En <a href="https://www.youtube.com/watch?v=1DvsK-xcwkg" target="_blank">"You're Driving Me Crazy"</a>, además, demuestra tener aptitudes para el <i>vocalese</i>, ese tipo de jazz vocal en el que parte de la letra se improvisa sobre melodías originalmente instrumentales. Fame interpreta la balada <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Z3mwnZ4_27M" target="_blank">"It Could Happen to You"</a> con verdadera elegancia, entregándose de nuevo a improviaciones vocales, y el tema que cierra el disco, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=vN4KnjCZ6Kw" target="_blank">"Do It The Hard Way"</a>, de Richard Rodgers y Lorenza Hart, es aparentemente uno de los favoritos de Fame, que lo regrabaría treinta y tres años después en su disco <i>Poet in New York</i>. En formato CD, podemos encontrar <i>The Two Faces of Fame</i> tanto en una edición de CBS como en una del sello Beat Goes On, que lo presenta junto a <i>The Third Face of Fame</i>, álbum que fue pensado como continuación del que nos ocupa pero que, en mi opinión, resulta un poco más flojo. En todo caso, conviene descubrir estas dos—o tres—caras de Georgie Fame, un músico de una sensibilidad y calidad enormes que, pese a su breve período de éxito en la segunda mitad de los años sesenta, ha obtenido siempre mayor reconocimiento de otros músicos que del público en general.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj2xh1mOcb7ZAGbl5U6cZDWPHxHxi_aXboJNYy8qmxRtTsTIqtKwMuFnWuUKgbU0a1ly1iMMYHwCl5Z5bfAnOrgbnS0cb36nkH2FZh2d0IFcaj1vFXj_lPyZpfI5aesgFa6ki0MkJQQZw/s1600/georgiefame2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjj2xh1mOcb7ZAGbl5U6cZDWPHxHxi_aXboJNYy8qmxRtTsTIqtKwMuFnWuUKgbU0a1ly1iMMYHwCl5Z5bfAnOrgbnS0cb36nkH2FZh2d0IFcaj1vFXj_lPyZpfI5aesgFa6ki0MkJQQZw/s1600/georgiefame2.jpg" height="302" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Georgie Fame tocando el órgano con los Blue Flames</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-13339911392415744542015-01-20T10:01:00.000-06:002015-01-20T10:01:04.981-06:00John Jenkins with Kenny Burrell<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3IFe1i6wkegfQcRMeioDUJZtwtY92bKRhBxK-DWOlysCuMjBk8nAGp7YK6s5SBTNzYIRo77HpFsa4q3TrXj38vMuIBE4dRF3VY_msp7tvu6x3Uz5tD1Ir-_JQlnViVLfnOafh-NTW680/s1600/johnjenkinscover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3IFe1i6wkegfQcRMeioDUJZtwtY92bKRhBxK-DWOlysCuMjBk8nAGp7YK6s5SBTNzYIRo77HpFsa4q3TrXj38vMuIBE4dRF3VY_msp7tvu6x3Uz5tD1Ir-_JQlnViVLfnOafh-NTW680/s1600/johnjenkinscover.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<b>Blue Note, 1957</b><br />
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Pocos saxofonistas nos han legado una discografía tan escasa pero a la vez tan interesante como <b>John Jenkins</b>, un hombre cuyo paso por los estudios de grabación resultó mucho más fugaz de lo que nos hubiese gustado. Jenkins, que se inició en el clarinete pero pronto demostró un interés mayor por el saxo alto, se mantuvo activo sobre todo durante la década de los 50 en su Chicago natal, llegando a participar en sesiones junto a <i>jazzmen</i> importantes como <b>Paul Quinichette</b>, <b>Jackie McLean</b>, <b>Donald Byrd</b>, <b>Hank Mobley</b> o <b>Clifford Jordan</b>, además de acompañar a otros hoy quizá menos recordados, como <b>Wilbur Ware</b> o <b>Teddy Charles</b>. Fuera de los estudios, el elenco de músicos con los que tocó resulta también impresionante e incluye nombres ilustres como los de <b>Art Pepper</b> y <b>Charles Mingus</b>, lo que nos hace desear que algunas de estas colaboraciones hubiesen quedado registradas en cinta magnetofónica, algo que, por desgracia, no siempre ocurrió. Fuertemente influido por el sonido de su amigo McLean y—¿cómo no?—de <b>Charlie Parker</b>, Jenkins se situó siempre a caballo entre el <i>bop</i> y el <i>hard bop</i>, demostrando una capacidad casi innata para la improvisación y para sorprendernos con ocasionales notas inesperadas que invariablemente mantienen la atención del oyente.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjjMuopKE77u7y7Al-6igselQ6wo1e3dRYVUQHIof9Yahh8w-WHNYwIXimx3DToUZ6JFfTf3q7JkuvUPR8Bn4Dd1OB0HCgCUAhAh_PjWR-6b1lLFaB7jyX4P8LOzs7UlP_FEv77x9SJRA/s1600/johnjenkins.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjjMuopKE77u7y7Al-6igselQ6wo1e3dRYVUQHIof9Yahh8w-WHNYwIXimx3DToUZ6JFfTf3q7JkuvUPR8Bn4Dd1OB0HCgCUAhAh_PjWR-6b1lLFaB7jyX4P8LOzs7UlP_FEv77x9SJRA/s1600/johnjenkins.jpg" height="320" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">John Jenkins</td></tr>
</tbody></table>
Uno de los pocos discos de Jenkins como líder que han sido reeditados en formato digital y que pueden conseguirse hoy en día con relativa faciidad es el que grabó para Blue Note en colaboración con el guitarrista <b>Kenny Burrell</b> en una sola sesión el 11 de agosto de 1957 y que lleva por título simplemente <i><b>John Jenkins with Kenny Burrell</b></i>. Dicha sesión tuvo lugar en el famoso estudio de <b>Rudy Van Gelder</b> en Hackensack, Nueva Jersey, y por tanto, se beneficia del excelente sonido que caracteriza a todas las sesiones producidas por Van Gelder. Junto a Jenkins, que toca el saxo tenor, y a Burrell, que se ocupa de la guitarra, participan en la grabación <b>Sonny Clark</b> al piano, <b>Paul Chambers</b> al contrabajo y <b>Dannie Richmond</b> a la batería, un grupo de músicos de verdadero lujo que disfrutan de varias oportunidades para dar cuenta de su talento a lo largo de las seis piezas que conforman el elepé, en especial Jenkins, Burrell y Clark. El disco se inicia con un <i>standard</i> salido de la pluma del genial <b>Cole Porter</b>, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=iC4jFEFcoFs" target="_blank">"From This Moment On"</a>, en el que Jenkins y Burrell mantienen un diálogo entre saxo alto y guitarra, hábilmente subrayado por el piano de Clark. El tempo rápido de este primer corte se reduce sensiblemente en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=YUrJqHWElOk" target="_blank">"Motif"</a>, una de las tres composiciones propias que Jenkins aportó a la sesión, marcada por una melodía fresca e inteligente que se adapta perfectamente a las capacidades improvisatorias del quinteto y en la que sobresale la interacción entre piano, contrabajo y saxo. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=VV5MvP-hDkI" target="_blank">"Everything I Have Is Yours"</a>, una pieza generalmente asociada con el cantante <b>Billy Eckstine</b> pero escrita por <b>Harold Adamson</b> y <b>Burton Lane</b>, es la única balada incluida en el disco y nos da una idea de la calidez y emotividad que Jenkins era capaz de sacar de su saxo alto cuando decidía interpretar temas lentos y sensuales como éste. Sin embargo, y al igual que en el caso de su admirado Bird, no faltan sonidos <i>bop</i> en las baladas de Jenkins, y Burrell y Clark se marcan solos muy inspirados que completan un corte que es uno de los más memorables de la sesión.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSbv7n3aicCgn-2DIFvYptERsb7PfURwgLx4n21cTHYPDI7C4Y8_cmD29fN6KlzufMDunyV8U9Dg3t3Jxek5Rg7sJs41SoUQ4je2oeD00vp0aiV9RMmRMKnF-UW4rscz2rpLjq7lsS374/s1600/sonnyclark.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSbv7n3aicCgn-2DIFvYptERsb7PfURwgLx4n21cTHYPDI7C4Y8_cmD29fN6KlzufMDunyV8U9Dg3t3Jxek5Rg7sJs41SoUQ4je2oeD00vp0aiV9RMmRMKnF-UW4rscz2rpLjq7lsS374/s1600/sonnyclark.jpg" height="197" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El pianista Sonny Clark</td></tr>
</tbody></table>
El tempo se incrementa en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=6BgS3Mkn70E" target="_blank">"Sharon"</a>, otra melodía de Jenkins fuertemente enraizada en el <i>bop</i>, en la que Burrell y Clark intercambian solos con el líder, que nos sorprende siempre con notas veloces que, en un principio parece como si sonasen fuera de lugar pero que en realidad funcionan a las mil maravillas. En su solo, Clark parece inspirado por Jenkins y ofrece aquí una de sus mejores contribuciones a la sesión, con ecos que nos recuerdan al mejor <b>Thelonious Monk</b>, e incluso Richmond tiene su pequeña oportunidad de hacer oír sus tambores en solitario. <a href="https://www.youtube.com/watch?v=oSle0bDE720" target="_blank">"Chalumeau"</a>, introducida por unas breves notas de Clark al piano, supone otro interesante ejercicio <i>bop</i> en el que Jenkins da rienda suelta a su imaginación y demuestra su destreza una vez más, apoyado siempre por Burrell y Clark, que son también responsables de solos valiosos. Es precisamente Burrell quien recibe crédito por el tema que cierra el disco, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=jHQC62GeKkY" target="_blank">"Blues For Two"</a>, que, como su propio título indica, es una pieza libremente basada en el blues, algo evidente principalmente durante el solo de Burrell. Chambers nos regala aquí un magnífico solo ejecutado con el arco de su contrabajo, y el corte pone fin a la sesión de una manera más que satisfactoria, provocando en el oyente el deseo de que el quinteto hubiese grabado más discos como éste. No fue así, pero al menos, la reedición en CD de 1996 incluye dos tomas alternativas de "Sharon" y "Chalumeau", y cualquiera que disfrute con este disco puede buscar otro que no es difícil de encontrar: <b style="font-style: italic;">Jenkins, Jordan & Timmons</b> (Original Jazz Classics), que contiene una igualmente excelente sesión grabada un par de semanas antes que ésta en el mismo estudio junto a Clifford Jordan al saxo tenor y <b>Bobby Timmons</b> al piano. Dos discos que, en definitiva, son buena muestra del enorme talento de Jenkins, una figura menor en la historia del jazz que desapareció de la escena musical a mediados de la década de los 60, pero que pide a gritos ser redescubierta.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfkh8fhLwOMt3yGECjaJNePKXeRtZ0Qkj-LJBpC9qPKihlYRUudnsBNb08w4qRfmUY9btTBN0fw_HTZ2O1nYfxdXz9pcVunidw0fbO_TNOwKbZYmkXka9NbjMjpkKy69QOXOHKpzR9oxQ/s1600/johnjenkinskennyburrell.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfkh8fhLwOMt3yGECjaJNePKXeRtZ0Qkj-LJBpC9qPKihlYRUudnsBNb08w4qRfmUY9btTBN0fw_HTZ2O1nYfxdXz9pcVunidw0fbO_TNOwKbZYmkXka9NbjMjpkKy69QOXOHKpzR9oxQ/s1600/johnjenkinskennyburrell.jpg" height="366" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Kenny Burrell y John Jenkins durante la sesión</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-21940719110424969212014-12-10T12:40:00.000-06:002014-12-10T19:22:21.180-06:00The Ramsey Lewis Trio - Sound of Christmas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9H6zdAFfICS0UAa6h3Mz4GqQGrUzyYXl_I8JVX4lRBhInczeIVkFQaR3T4HXZpeX2A_WeJtwcw-UJ0xD9m_1DlZiF38cUox4gCnhS8ljzjqtB0praMcDB4i70_-iZj-wq27-wQrVZQpA/s1600/ramseylewiscover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh9H6zdAFfICS0UAa6h3Mz4GqQGrUzyYXl_I8JVX4lRBhInczeIVkFQaR3T4HXZpeX2A_WeJtwcw-UJ0xD9m_1DlZiF38cUox4gCnhS8ljzjqtB0praMcDB4i70_-iZj-wq27-wQrVZQpA/s1600/ramseylewiscover.jpg" height="280" width="320" /></a></div>
<b>Argo, 1961 / Verve, 2004</b><br />
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Como cada año, la Navidad se acerca inexorablemente, y el aire, las ondas hertzianas y los centros comerciales de todo el mundo se llenan de melodías navideñas de todos los estilos. Entre éstas, las que más nos interesan son las que tienen al jazz como protagonista, y en este contexto, pocos discos son tan interesantes como el que el trío de <b>Ramsey Lewis</b> grabó en 1961 bajo el título de <b><i>Sound of Christmas</i></b>. Por entonces, Lewis se había labrado ya una reputación como uno de los pianistas más innovadores del jazz moderno, creando un estilo propio fuertemente influido por el <i>rhythm and blues</i> y sentando las bases de lo que no muchos años después se conocería como la fusión entre jazz y soul. En octubre de 1961, cuando el trío, compuesto por Lewis al piano y a veces a la celesta, <b>Eldee Young</b> al contrabajo y <b>Redd Holt</b> a la batería, entró en los estudios Ter-Mar de Chicago para registrar este elepé navideño, su éxito "The In-Crowd" les aguardaba todavía tres años después. Pero esa misma fusión de jazz, pop y <i>rhythm and blues</i> está ya presente en este "sonido de la Navidad" que el trío forjó para este álbum publicado por Argo Records, un sello subsidiario de Chess, algo que, por cierto, es muy apropiado para el estilo de Lewis, si tenemos en cuenta que Chess pasará a la historia sobre todo como una compañía dedicada al blues.<br />
<br />
<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBv5YjVgkZM59WSWRF5IXYcFS-nxsxEes11LpMaLDZ1NmkVSCuZDaqxjuOWYQfVq9WjOxQvfyeIaCuS4qUqeZsaxzJIvYbEBhgtwL-ixaEwnagjDw0MJsBNGXSMeD_x7my0VyXEQbouz8/s1600/ramseylewistrio.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBv5YjVgkZM59WSWRF5IXYcFS-nxsxEes11LpMaLDZ1NmkVSCuZDaqxjuOWYQfVq9WjOxQvfyeIaCuS4qUqeZsaxzJIvYbEBhgtwL-ixaEwnagjDw0MJsBNGXSMeD_x7my0VyXEQbouz8/s1600/ramseylewistrio.jpg" height="307" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ramsey Lewis y su trío</td></tr>
</tbody></table>
Y es precisamente una atmósfera bluesera la que preside varios de los temas aquí incluidos, especialmente la versión de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=R9dpRHeybDM" target="_blank">"Merry Christmas Baby"</a>, melodía popularizada por <b>Charles Brown</b> que abre el disco, y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=xKGeUPRjNZ8" target="_blank">"Christmas Blues"</a>, una de las dos composiciones propias de Lewis que se grabaron en esta sesión. El repertorio escogido combina adecuadamente villancicos clásicos, como "God Rest Ye Merry, Gentlemen" con canciones más modernas, como el <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lKzLQPqULcg" target="_blank">"Winter Wonderland"</a> de <b>Johnny Mercer</b>, que Lewis interpreta como lo que es: una desenfadada celebración de la estación invernal que se viene asociando a la Navidad aunque su letra original no la mencione nunca. Lewis reinventa <a href="https://www.youtube.com/watch?v=asrAKdrdlTs" target="_blank">"Here Comes Santa Claus"</a>, del vaquero <b>Gene Autry</b>, desde el ángulo del <i>rhythm and blues</i>, creando así uno de los cortes más memorables del álbum. No faltan en esta primera cara del disco las baladas, si bien resulta sorprendente encontrar una versión a ritmo pausado de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=fBmzfQXPd2c" target="_blank">"Santa Claus Is Coming to Town"</a>, un tema generalmente interpretado a ritmo de <i>swing</i>, pero que funciona a las mil maravillas como una delicada balada. Y es que así es Lewis: un pianista que no se arredra nunca ante la perspectiva de intentar algo nuevo y diferente, y que pocas veces se equivoca al asumir riesgos.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBtyoDsQRK6uv8fVFjKj6FzudvzUhykPVPMCMn35ejcwkGo7RKaNYKcxgf5j5JpATVHaCFn6QkavVORVbvrsL4arsEXl6Zf2Ewwxos_GItUxrs_VkHLzZzrp1NU679aZJ423N3NwmBzag/s1600/ramseylewis45.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgBtyoDsQRK6uv8fVFjKj6FzudvzUhykPVPMCMn35ejcwkGo7RKaNYKcxgf5j5JpATVHaCFn6QkavVORVbvrsL4arsEXl6Zf2Ewwxos_GItUxrs_VkHLzZzrp1NU679aZJ423N3NwmBzag/s1600/ramseylewis45.JPG" height="320" width="309" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Edición en single de "Sleigh Ride"</td></tr>
</tbody></table>
A diferencia de la primera cara del elepé, que se compone simplemente de piezas tocadas únicamente por el trío (con el añadido ocasional de unas campanas para recordarnos que, después de todo, esto es música navideña), la segunda presenta un concepto un tanto más ambicioso debido a la inclusión de una serie de arreglos de cuerda a cargo de <b>Riley Hampton</b>. De hecho, el inicio de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=8TNtmeouPVU" target="_blank">"The Sound of Christmas"</a>, que abre esta segunda cara y que es una creación de Lewis y Hampton, se asemeja a un tema orquestal, con guiños a la música clásica. Pero no tarda en entrar Lewis, ya sea a la celesta o al piano, reclamando el protagonismo que le es debido. En <a href="https://www.youtube.com/watch?v=bYqfh-H-U1E" target="_blank">"The Christmas Song"</a>, el clásico de <b>Mel Tormé</b>, las cuerdas simplemente ofrecen un suave acompañamiento a un Lewis que se mueve sin problemas entre la dulzura de la melodía y unos arabescos blueseros que subrayan la melancolía escondida en esta composición. El <i>rhythm and blues</i> emerge con gran potencia en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=oq7k9RYqbBs" target="_blank">"God Rest Ye Merry, Gentlemen"</a>, un villancico anónimo británico que no se resiste tampoco a la modernización a la que es sometido por Lewis y su trío. El aire festivo regresa convenientemente en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=uAxkzbrwBPU" target="_blank">"Sleigh Ride"</a>, donde la interacción entre piano y orquesta está especialmente conseguida, y el disco se cierra con una pequeña joya: una versión de la balada <a href="https://www.youtube.com/watch?v=pLRQxUfgB2s" target="_blank">"What Are You Doing New Year's Eve?"</a> en la que Lewis a veces parece estar tocando para sí mismo, como si estuviese reflexionando en voz baja y para sus adentros, arropado en todo momento por unas cuerdas casi etéreas. Sea cual sea el contenido de esta reflexión final, esta pieza supone el colofón perfecto para un disco que es sinónimo de jazz navideño de primer orden, interpretado con una elegancia y un gusto exquisitos. Reeditado en 2004 por Verve—aunque sin nuevas notas, lo cual es una pena—, no es difícil de encontrar y, sin duda, contribuirá a crear un excelente ambiente sonoro para cualquier buen aficionado al jazz cada Navidad.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQoCUeGHSeO3JzMgs6ZenUdM5kLr8KXfB3nU39Pkm0Z_prQMKkjM_11T-DInlhultFrSqG8cKb6nN2Bq4hiSkqoe_Ml-_fhSumsVAauqZFteWdLoHFGkl0dRc8mQgHn9lvzt8ZGAPI1A4/s1600/ramseylewispiano.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQoCUeGHSeO3JzMgs6ZenUdM5kLr8KXfB3nU39Pkm0Z_prQMKkjM_11T-DInlhultFrSqG8cKb6nN2Bq4hiSkqoe_Ml-_fhSumsVAauqZFteWdLoHFGkl0dRc8mQgHn9lvzt8ZGAPI1A4/s1600/ramseylewispiano.jpg" height="270" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Ramsey Lewis al piano</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-57821204735746818012014-11-06T09:55:00.001-06:002014-11-06T09:55:22.603-06:00Monica Zetterlund & Bill Evans - Waltz for Debby<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-nIaQqO-U6tEa9gGnZPFUrWBg7NB9Ueap6Qtub4qtz-YTlkICLbn1OFZgWO7sajLfrP4lSdQYr21JjaT1Kjkrwl4j-2syu081jXz5712BXAjK_aGlunxeHVTX87jZkVw-Iz_pSg_0Lug/s1600/zetterlundcover.jpeg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-nIaQqO-U6tEa9gGnZPFUrWBg7NB9Ueap6Qtub4qtz-YTlkICLbn1OFZgWO7sajLfrP4lSdQYr21JjaT1Kjkrwl4j-2syu081jXz5712BXAjK_aGlunxeHVTX87jZkVw-Iz_pSg_0Lug/s1600/zetterlundcover.jpeg" height="316" width="320" /></a></div>
<b>Philips, 1964</b><br />
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El pianista <b>Bill Evans</b> no participó en demasiadas sesiones acompañando a vocalistas en su larga y distinguida carrera. Bien es cierto que los dos discos que grabó a dúo con el cantante <b>Tony Bennett</b> en la década de los 70 (<i>The Tony Bennett / Bill Evans Album</i> y <i>Together Again</i>) se han erigido en clásicos que se encuentran entre lo mejor de la producción de ambos artistas, pero también lo es que Evans siempre prefirió concentrarse en sus trabajos instrumentales y en su labor como compositor. Pero unos diez años antes de su primera colaboración con Bennett, durante uno de sus varias estancias en Europa, Evans registró en Estocolmo un álbum con la vocalista sueca <b>Monica Zetterlund</b> bajo el título de <i><b>Waltz for Debby</b></i>, que, si bien no es demasiado conocido, vale la pena redescubrir en virtud de la enorme calidad de las piezas en él contenidas y de sus interpretaciones, todas ellas unidas por un intimismo y una compenetración entre voz e instrumentos verdaderamente fuera de lo común.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2nWKttU79rzNkJ3ugJGAbbmvftKZ5bNjtPt0x89RvNjDBgaNu-1Xfo_YRQkKYmmPghk8axUHBslfhkJcOAbOmTAy18L-RoX_eyLL7rsmr_XZY3NIRKekpIxGTGMQ_R7qnzBkiEWt6CGg/s1600/zetterlund01.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2nWKttU79rzNkJ3ugJGAbbmvftKZ5bNjtPt0x89RvNjDBgaNu-1Xfo_YRQkKYmmPghk8axUHBslfhkJcOAbOmTAy18L-RoX_eyLL7rsmr_XZY3NIRKekpIxGTGMQ_R7qnzBkiEWt6CGg/s1600/zetterlund01.jpg" height="320" width="246" /></a></div>
En el momento en que entró en el estudio junto a Evans y su trío, Monica Zetterlund era ya una estrella con una sólida reputación en Suecia, país en el que había nacido en 1937, en la pequeña ciudad de Hagfors. La joven Zetterlund—que por entonces respondía todavía al nombre de Eva Monica Nilsson—pronto empezó a canturrear el jazz y el pop estadounidenses que escuchaba en la radio, aunque en un principio lo hacía de forma puramente fonética, ya que no hablaba inglés. Tras cantar con diversos grupos de jazz escandinavos, entre ellos el capitaneado por el legendario <b>Arne Domnérus</b>, Zetterlund comenzó a distinguirse por su voz suave y melancólica, de un enorme poder evocador. Y el éxito no tardó en sonreírle, gracias especialmente a sus excelentes adaptaciones al sueco de éxitos americanos, como "Hit the Road, Jack", el "Waltz for Debby" de Evans y, posteriormente, "Little Green Apples". Sin embargo, la canción con la que siempre quedará identificada en su tierra natal es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=ktnq5q4wAYE" target="_blank">"Sakta Vi Gå Genom Stan"</a>, versión sueca del <i>standard</i> de <b>Roy Turk</b> y <b>Fred Ahlert</b> "Walkin' My Baby Back Home". La letra que canta Zetterlund es un homenaje a la belleza de la ciudad de Estocolmo, y a lo largo de los años se ha convertido en un tema tan popular en Suecia que parte del público escandinavo incluso ha olvidado que se trata de una canción estadounidense, originalmente grabada, entre muchos otros, por <b>Annette Hanshaw</b>, <b>Nat King Cole</b> y <b>Johnnie Ray</b>.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSHyWEzxIQaLrK2UxFxvVcTtqgh-f3JHa_yLoC-9v-eqFregUFFdjvL2uSryhGKYKagqFrg5-YSJqO0pxuD1VevbP0MGjwOm3EBzikSMZ5GgKEE0O2o4c68LJZkcObEpfdD9kbt8MNtos/s1600/zetterlund03.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjSHyWEzxIQaLrK2UxFxvVcTtqgh-f3JHa_yLoC-9v-eqFregUFFdjvL2uSryhGKYKagqFrg5-YSJqO0pxuD1VevbP0MGjwOm3EBzikSMZ5GgKEE0O2o4c68LJZkcObEpfdD9kbt8MNtos/s1600/zetterlund03.jpg" height="320" width="318" /></a></div>
Tal llegó a ser la popularidad de Zetterlund en Escandinavia que, en 1963, a alguien se le ocurrió nominarla como representante sueca para el Festival de Eurovisión de ese año. No obstante, no resultó ser una buena idea: Zetterlund concurrió con la balada <a href="https://www.youtube.com/watch?v=IReJgMZ8Z6k" target="_blank">"En Gång i Stockholm"</a> y acabó en última posición sin recibir ni una sola votación, lo cual nos dice mucho más acerca de lo gustos del público eurovisivo que de la calidad de un excelente tema con toques de jazz que no se ajustaba a la comercialidad por la cual siempre ha sido notorio dicho festival. A partir de los años 60, Zetterlund inició una carrera como actriz televisiva y cinematográfica que le depararía también un notable éxito, especialmente su aparición junto a <b>Max von Sydow</b> y <b>Liv Ullmann</b> en la película <i>Utvandrama</i> (<i>Los emigrantes</i>, 1971), del realizador <b>Jan Troell</b>. Pero su legado discográfico es lo que le asegura un lugar para la posteridad en la historia del jazz, pues a lo largo de su carrera trabajó con la flor y la nata de la escena jazzística escandinava (<b>Domnérus</b>, <b>Jan Johansson</b>, <b>Niels-Henning Ørsted Pedersen</b>, <b>Svend Asmussen</b>) y norteamericana (<b>Stan Getz</b>, <b>Louis Armstrong</b>, <b>Zoot Sims</b>, <b>Thad Jones</b>). Desgraciadamente, Zetterlund sufría de escoliosis, lo cual dificultó mucho sus giras y sus actuaciones en directo, y en sus últimos años se veía obligada a cantar sentada. No fue, sin embargo, dicha enfermedad degenerativa la que nos privó de su arte, sino un incendio que se produjo en 2005 en su apartamento de Estocolmo.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk2I6gwRkIPAvDgDCHzSwejLb1aHMbaJGOd-ynJgDj4hZ-PkDL-F__UEUdSK5VgBhFaOHlGCyaq8wpDEAuQ9XzBbVY2r1cYIq6Cry8Y2Z8fVmK57ka4GyoYllez8nkTLY5dlFAGDROXo8/s1600/zetterlundevans.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk2I6gwRkIPAvDgDCHzSwejLb1aHMbaJGOd-ynJgDj4hZ-PkDL-F__UEUdSK5VgBhFaOHlGCyaq8wpDEAuQ9XzBbVY2r1cYIq6Cry8Y2Z8fVmK57ka4GyoYllez8nkTLY5dlFAGDROXo8/s1600/zetterlundevans.jpg" height="266" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Bill Evans y Monica Zetterlund</td></tr>
</tbody></table>
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Sin duda, la colaboración con Bill Evans, en formación de trío junto a <b>Chuck Israels</b> al contrabajo y <b>Larry Bunker</b> a la batería, emerge como la cima de la producción discográfica de Monica Zetterlund. En estas sesiones, el trío crea una atmósfera melancólica y reflexiva que resulta perfecta para la voz de Zetterlund, que da la impresión a veces de estar cantando para sí misma, como si el micrófono y la cinta magnetofónica no estuviesen presentes. Esto queda claro ya desde el primer corte, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=_nb5u1V4xW0" target="_blank">"Come Rain or Come Shine"</a>, uno de los varios <i>standards</i> que componen el repertorio incluido en el elepé. Algunas de las piezas, como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=fh686GE3h2c" target="_blank">"Once Upon a Summertime"</a> o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=vMcpmFG2dt8" target="_blank">"Some Other Time"</a>, evocan un pasado nostálgico, mientras que otras, como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=6hJ28z3z7KY" target="_blank">"It Could Happen to You"</a>, anuncian la posibilidad de un futuro más prometedor, pero sea cual sea el tema de las melodías, Evans y Zetterlund establecen un diálogo íntimo de una tranquila hermosura y de una vulnerable fragilidad que funciona a las mil maravillas. Además, escogen composiciones más desconocidas, como <a href="https://www.youtube.com/watch?v=kHSNhfTn1a0" target="_blank">"So Long Big Time"</a>, de <b>Harold Arlen</b>, o <a href="https://www.youtube.com/watch?v=2T4x3MtlP-o" target="_blank">"Lucky to Be Me"</a>, de <b>Betty Comden</b> y <b>Adolph Green</b>, que se ajustan perfectamente a la concepción intimista del álbum.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5RbhoKkBHjCFhkTyLb9H5KvMmId95C4my0lQR0i_C5bdHmH_OHfwVP6TBYs4i8QXO8DuE4YP2Hmp6ar3pkiY5R0M64Rnam1SlHsvjga3YuFIE3MZY2mLKq4ABRDqlnqeHWvEJ2mRpjgg/s1600/zetterlund02.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj5RbhoKkBHjCFhkTyLb9H5KvMmId95C4my0lQR0i_C5bdHmH_OHfwVP6TBYs4i8QXO8DuE4YP2Hmp6ar3pkiY5R0M64Rnam1SlHsvjga3YuFIE3MZY2mLKq4ABRDqlnqeHWvEJ2mRpjgg/s1600/zetterlund02.jpg" height="216" width="320" /></a></div>
Por otra parte, Zetterlund interpreta también, a tempos extremadamente lentos, dos temas tradicionales suecos (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=cPBp21lifHU" target="_blank">"Jag Vet En Dejlig Rosa"</a> y <a href="https://www.youtube.com/watch?v=1rELYS6EKcY" target="_blank">"Vindarna Sucka Uti Skogarna"</a>) y una canción del compositor <b>Olle Adolphson</b> (<a href="https://www.youtube.com/watch?v=zneplShasBI" target="_blank">"Om Natten"</a>) que constituyen tres puntos álgidos de un disco verdaderamente redondo. Pero, sin lugar a dudas, la pieza más memorable del álbum es <a href="https://www.youtube.com/watch?v=AOTDlBmJons" target="_blank">"Monicas Vals"</a>, la versión en sueco del famoso "Waltz for Debby" de Evans, que en la voz suave de Zetterlund no desmerece en absoluto a otras grabaciones quizá más conocidas como la de <b>Johnny Hartman</b> o la de <b>Tony Bennett</b>, esta última también con Evans al piano. Si bien no es siempre fácil—o barato—de encontrar, <i>Waltz for Debby</i> ha sido reeditado al menos dos veces en CD: primero en 2001 por Universal (es la edición que yo tengo y que amablemente me envió hace unas semanas mi amigo británico <b>Guy Jones</b>, que vive en Estocolmo con su familia y es presidente del club de fans del pianista sueco <b>Jan Lundgren</b>), con las notas originales en sueco y las letras de todas las canciones, y posteriormente en 2006 por Verve. En mi opinión, éste es el elepé con el que cualquier buen aficionado al jazz debe comenzar a explorar la música de Monica Zetterlund, pues es aquí donde realmente se comienza a forjar la leyenda de una vocalista con una discografía de indudable calidad en la que también tienen cabida la música folk escandinava e incluso la música clásica, pero que será siempre recordada en su tierra natal por unas nada despreciables contribuciones al mundo del jazz que urge redescubrir.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/Oo2k6liyPQU?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
Unknownnoreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-30189657134268977942014-08-31T11:06:00.000-05:002014-08-31T13:56:35.411-05:00Jan Lundgren Trio - Swedish Standards<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWbk5USfz-6nLy4NOCBPKCMYYfTYN23el-W9Y6narehni-sPWeeFbXbdOQ_nrLJSJWnSdsKYTJu_noN0N3LTMgGxMnCZorYc2V2YO8rxluD_5J_Xr5QdUWo0WfwWFFLHw0pq8-TcmGbm4/s1600/lundgrencover.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWbk5USfz-6nLy4NOCBPKCMYYfTYN23el-W9Y6narehni-sPWeeFbXbdOQ_nrLJSJWnSdsKYTJu_noN0N3LTMgGxMnCZorYc2V2YO8rxluD_5J_Xr5QdUWo0WfwWFFLHw0pq8-TcmGbm4/s1600/lundgrencover.jpg" height="315" width="320" /></a></div>
<b>ACT, 1997</b><br />
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A nadie debe sorprender que la escena jazzística en Escandinavia se haya destacado, desde siempre, por su enorme fecundidad y constante actividad. Es bien conocido el interés de los países escandinavos por la buena música, por todo lo que proceda de allende sus fronteras y por una aguda sensibilidad cultural. Así, ya desde los años cincuenta del siglo pasado, muchos de los más importantes <i>jazzmen</i> estadounidenses (entre muchísimos otros,<b> Ben Webster</b>, <b>Benny Carter</b>, <b>Charlie Parker</b> o <b>Dizzy Gillespie</b>) visitaron tierras danesas, noruegas y suecas y encontraron que allí se valoraba su música incluso más que en su país natal. Si nos centramos únicamente en Suecia, veremos que este contacto continuo con los más grandes del género allanó el terreno para el desarrollo del talento de músicos locales como <b><a href="http://garciateijeiro.blogspot.com/2014/05/descubertas-fonograficas-xi-arne.html" target="_blank">Arne Domnérus</a></b>, <b>Lars Gullin</b>, <b>Stan Hasselgård</b> (clarinetista protegido de <b>Benny Goodman</b>, con quien actuó y grabó en varias ocasiones a lo largo de su breve carrera) o <b>Bengt Hallberg</b>. Es ésta una tradición que llega hasta la actualidad, y dentro de la cual se destaca el pianista <b>Jan Lundgren</b>. Natural de Kristianstad, en el sur de Suecia, Lundgren ha tocado con algunas de las más importantes figuras del jazz sueco, como Domnérus y Hallberg, así como con gigantes estadounidenses del renombre de <b>Benny Golson</b> o <b>Johnny Griffin</b>. Poseedor de un innegable dominio de su instrumento, que sin duda facilitó su formación clásica, Lundgren se distingue por su capacidad para la improvisación, que como él mismo ha dicho en una reciente entrevista, "es un lenguaje que da alas a mis dedos". Pues, si como él dice de manera metafórica, la improvisación es un lenguaje, Lundgren ha adquirido en dicho lenguaje un nivel de hablante nativo, de académico de la lengua incluso, y la variada discografía que ha ido labrando desde los años noventa ofrece multitud de ejemplos de ello.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyuZ0RJaxwJZS64yBvOd3UmDwiXbCF9Hr3vCpLpaUnhsHfdxF2nbP-b-jydwHBXeb615g5XxAhIMIgjVtysa0Hsbhv-UiIppCnuj3dLl2bDSxSVSyX8TTjl_x-XhMrEYiQtKnwoLehFTo/s1600/lundgrenpiano.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyuZ0RJaxwJZS64yBvOd3UmDwiXbCF9Hr3vCpLpaUnhsHfdxF2nbP-b-jydwHBXeb615g5XxAhIMIgjVtysa0Hsbhv-UiIppCnuj3dLl2bDSxSVSyX8TTjl_x-XhMrEYiQtKnwoLehFTo/s1600/lundgrenpiano.jpg" height="244" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jan Lundgren al piano (Foto: Dragan Tasic)</td></tr>
</tbody></table>
Una de las mejores muestras de la versatilidad e imaginación improvisadora de Lundgren es el CD <i><b>Swedish Standards</b></i>, grabado en 1997 en formación de trío junto a <b>Mattias Svensson</b> al contrabajo y <b>Rasmus Kihlberg</b> a la batería. En este álbum, el pianista da rienda suelta a sus dotes exploradoras y experimentales, fundiendo el jazz con la música autóctona sueca y enmarcándose así en la honrosa tradición de los músicos escandinavos que ya lo habían hecho antes, como el citado Domnérus y, sobre todo, el también excelente pianista <b>Jan Johansson</b>. Lundgren se adhiere aquí a los postulados de Johansson en su álbum ya clásico, <i>Jazz På Svenska</i> (<i>Jazz en sueco</i>), publicado en 1964, pero los moderniza un poco, añadiendo batería a lo que en Johansson es un dúo entre su piano y el contrabajo de <b>Georg Riedel</b>. Algunos de los temas nos recuerdan un tanto a Johansson, en especial el que cierra el disco, "Nu Har Jag Fått Den Jag Vill Ha" ("He conseguido lo que quería tener"), que es un solo de piano marcadamente lírico de Lundgren sobre una composición de <b>Olle Adolphson</b>, pero en la mayor parte del CD, contrabajo y batería contribuyen a la creación de un sonido complejo y atractivo que contrasta con el tono minimalista de la música de Johansson. Lundgren nos sorprende, además, reinventando dos composiciones del trovador sueco del siglo XVIII <b>Carl Michael Bellman</b> en clave de jazz. En la primera de ellas, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=sruzG63gLLE" target="_blank">"Solen Glimmar Blank och Trind"</a> ("El sol brilla deslumbrante y redondo"), que abre este proyecto, podemos escuchar un excelente solo de contrabajo de Svensson, mientras que Lundgren prueba que puede haber jazz en los añejos poemas musicados de Bellman, algo que es también evidente en el segundo de ellos, "Joachim uti Babylon" ("Joachim fuera de Babilonia"), en el que la sección rítmica marca un tempo que inspira a Lundgren para improvisar sobre la melodía de esta famosa <i>Epístola</i> de Bellman.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiflgeZ9WBBezamnTGV_79q5Qlu4grTaVf-rc74S2UDg6Ukp8wC1OUWMb3E3olI6hRhwLje5UnoXFqO09immnpjBtXYMll0cVPhyphenhyphenyHwj2nG9A82NaOefdeFxkmbxL70KrHONEVSp52OT_s/s1600/svensson.JPG" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiflgeZ9WBBezamnTGV_79q5Qlu4grTaVf-rc74S2UDg6Ukp8wC1OUWMb3E3olI6hRhwLje5UnoXFqO09immnpjBtXYMll0cVPhyphenhyphenyHwj2nG9A82NaOefdeFxkmbxL70KrHONEVSp52OT_s/s1600/svensson.JPG" height="213" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El contrabajista Mattias Svensson</td></tr>
</tbody></table>
La única pieza que tiene raíces realmente tradicionales es la balada "Uti Vår Hage" ("Afuera en nuestra pradera"), en la que Lundgren se revela como un maestro en la interpretación de composiciones intimistas y por momentos incluso suena como si estuviese meditando sentado al piano. El resto de los cortes provienen de la pluma de compositores suecos de mayor o menor renombre, como "Sommar, Sommar, Sommar" ("Verano, verano, verano", de <b>Sten Carlberg</b> y <b>Eric Sandström</b>), tema atacado por el trío a un ritmo vertiginoso y que parece terminarse con tanta rapidez como el propio verano sueco al que el título hace referencia. Igualmente veloz es "Visa Vid Vindens Ängar" ("Canción de las praderas del viento"), un motivo musical obra de Mats Paulson, aunque en este caso el trío opta por la cautela, alternando tempos rápidos y medios con enorme facilidad. Mención especial merece "Waltz-a-Nova", un vals magnífico y muy elegante compuesto por Bengt Hallberg, junto con Oscar Peterson una de las mayores influencias en el estilo de Lundgren; por cierto, que ambos, Lundgren y Hallberg, grabaron un disco juntos en 2011, <i>Back to Back</i>, álbum también muy recomendable.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVQnBfkem4mbXKw3yOowiHfi9qZdr-CNYb5umWpPeFhRQABXRwSWeW3oB3QiSEfql28LqI3i8SC_I6cXbz3PNhyphenhyphencwZYcxnMBWQeDos-EjpPFJAJu00tVBDT4yzERkEw8jTg7I6A8Rl2WM/s1600/kihlberg.JPG" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjVQnBfkem4mbXKw3yOowiHfi9qZdr-CNYb5umWpPeFhRQABXRwSWeW3oB3QiSEfql28LqI3i8SC_I6cXbz3PNhyphenhyphencwZYcxnMBWQeDos-EjpPFJAJu00tVBDT4yzERkEw8jTg7I6A8Rl2WM/s1600/kihlberg.JPG" height="213" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El batería Rasmus Kihlberg</td></tr>
</tbody></table>
Una de las piezas más conocidas entre estos <i>standards</i> suecos, al menos en Escandinavia, es "Säg Det Med Ett Leende" ("Dilo con una sonrisa"), escrito por <b>Nils Perne</b> y <b>Helge Roundqvist</b>, dos de las personalidades más importantes de la escena musical de Estocolmo durante los años cuarenta y cincuenta. Las notas del CD, a cargo del respetado trompetista <b>Bengt-Arne Wallin</b>, nos informan de que "ésta es quizá la versión más diferente al original de todo el álbum". Se trata ya de una canción alegre y vivaracha, pero en manos de Lundgren y su trío se convierte en un vehículo perfecto para que cada músico demuestre a la vez su talento en los solos y su compenetración como grupo. En suma, <i>Swedish Standards</i> es un disco refrescante y arriesgado que debe degustarse con tranquilidad para ser apreciado en toda su totalidad y variedad. En una <a href="http://vintagebandstand.blogspot.com/2014/08/interview-with-swedish-jazz-pianist-jan.html" target="_blank">entrevista</a> que tuve ocasión de hacerle a Lundgren no hace mucho, le pregunté qué puntos de contacto hay, a su juicio, entre el jazz y la música sueca. Su respuesta arroja una luz muy reveladora sobre este disco en particular: "Hay una cierta melancolía en la música folk sueca que puede funcionar bien como jazz o blues". Escuchen el disco y decidan por sí mismos.<br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJC8yN8zfylFR1V0eSZF6HMrK_rOFQvsc9rJiQ60gJTDE9KC_nrf3V_q6rW2LIpTfZ1vlXSNLvSHaDkKdBZODa0Nx-WE7SIU-Exny1bZZAzilOrEIXMxzoZkUVeCZzd_9SFKeLPTKrnmQ/s1600/lundgren.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJC8yN8zfylFR1V0eSZF6HMrK_rOFQvsc9rJiQ60gJTDE9KC_nrf3V_q6rW2LIpTfZ1vlXSNLvSHaDkKdBZODa0Nx-WE7SIU-Exny1bZZAzilOrEIXMxzoZkUVeCZzd_9SFKeLPTKrnmQ/s1600/lundgren.jpg" height="225" width="400" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Jan Lundgren es co-fundador del Festival de Jazz de Ystad, en el sur de Suecia</td></tr>
</tbody></table>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-6723698278372649187.post-37999222797968361812014-07-29T15:16:00.002-05:002014-07-29T15:16:43.568-05:00Coleman Hawkins - The Hawk Flies High<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKc4BWncAPGjfgJ64kKNXdf7KS0176ox10mY1k65tTI0DSC9VNam3dz-jPJtpaQa6DUutkM76VQ5KYZaGtWs2UE34LoSjXc3tvpr9yqQQJbl6_ZDZPElz5G_Meqs_mGdxqEkrPPobvaxc/s1600/hawkflieshigh.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKc4BWncAPGjfgJ64kKNXdf7KS0176ox10mY1k65tTI0DSC9VNam3dz-jPJtpaQa6DUutkM76VQ5KYZaGtWs2UE34LoSjXc3tvpr9yqQQJbl6_ZDZPElz5G_Meqs_mGdxqEkrPPobvaxc/s1600/hawkflieshigh.jpg" height="320" width="320" /></a></div>
<b>Riverside, 1957</b><br />
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Hace escasos días, Dan Nappo, buen amigo y compañero de la University of Tennessee at Martin, me trajo de un viaje a California un ejemplar de un disco de <b>Coleman Hawkins</b> que no figuraba en mis estantes, una verdadera maravilla titulada <i><b>The Hawk Flies High</b></i>. Y no sé por qué nunca había adquirido yo este elepé, pues es uno de los de mayor interés entre los varios que Hawkins grabó en los años cincuenta y sesenta, la parte final de su dilatada carrera discográfica, pero en todo caso, agradezco enormemente a Dan el haber subsanado esta inexplicable falla en mi colección jazzística. Coleman Hawkins—apodado, como el propio título de este disco indica, <i>The Hawk</i> o <i>Bean</i>—es mucho más que uno de los músicos más legendarios de la historia del jazz. Es, más bien, una figura ubicua en el universo de esta música y su nombre permanecerá para siempre ligado al saxo tenor, instrumento que ayudó a popularizar en las grandes orquestas de los años veinte y treinta, y a cuya revitalización e innovación contribuyó dentro del contexto del jazz moderno a partir de los años cuarenta. Hawkins era un hombre imponente tanto física como musicalmente cuando se subía al escenario, y era reverenciado y temido por igual, ya que la naturaleza competitiva que lo caracterizaba lo llevaba a no amilanarse jamás cuando se trataba de dejar en evidencia a cualquier otro saxofonista tenor que se atreviese a desafiarlo durante una <i>jam session</i>.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeSZ8hMmLVtREr6tzlw3g0d5VsjsAz9EkMzxg-SCbUqpNGn8zuA9ZvUfesXv5KtN9Mp8bu8PSdTD2bDrO9N-xQrhRhlVSchTI1ypE8Z4qn6JMDx-AyRshd6-rZkbIeCP-eDsdkx4JPSlM/s1600/hawkinsdavis.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeSZ8hMmLVtREr6tzlw3g0d5VsjsAz9EkMzxg-SCbUqpNGn8zuA9ZvUfesXv5KtN9Mp8bu8PSdTD2bDrO9N-xQrhRhlVSchTI1ypE8Z4qn6JMDx-AyRshd6-rZkbIeCP-eDsdkx4JPSlM/s1600/hawkinsdavis.jpg" height="320" width="306" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">The Hawk con un joven Miles Davis</td></tr>
</tbody></table>
Si bien su aprendizaje musical tuvo lugar en la famosa orquesta de <b>Fletcher Henderson</b>, de la que no tardó en convertirse en estrella absoluta, el estilo personal, fácilmente maleable y cargado de <i>swing</i> de Hawkins le aseguró un lugar en la génesis de esa revolución que fue el <i>bebop</i>, y así fue de los primeros en grabar con algunos de los gurús del nuevo estilo, como por ejemplo <b>Thelonious Monk</b>, <b>Dizzy Gillespie</b>, <b>Miles Davis</b> o <b>Don Byas</b>, a mediados de la década de los cuarenta. Y aunque, llegados los cincuenta, su producción discográfica había disminuido ostensiblemente, el álbum que nos ocupa representó una suerte de regreso para el Halcón, que seguiría registrando magníficos discos—algunos de ellos asimilando incluso los ritmos más innovadores del momento, como la <i>bossa nova</i>—prácticamente hasta su muerte en 1969. Producido por el renombrado <b>Orrin Keepnews</b> y grabado en dos sesiones celebradas el 12 y el 15 de marzo de 1957 en Nueva York, <i>The Hawk Flies High</i> es el único trabajo de Hawkins como líder para el sello Riverside y constituye una buena muestra del carácter abierto e integrador de su música. Al parecer, Keepnews le ofreció la oportunidad de elegir a los músicos que lo acompañarían en este proyecto, y Hawkins decidió que deseaba que fuesen, en su mayor parte, hombres jóvenes con ideas frescas enraizadas en el <i>bebop</i>. De ahí que la banda incluya a <b>J.J. Johnson</b> al trombón, el a veces infravalorado <b>Idrees Sulieman</b> a la trompeta y una sección rítmica estelar compuesta por <b>Hank Jones</b> al piano, <b>Barry Galbraith</b> a la guitarra, <b>Oscar Pettiford</b> al contrabajo y <b>Jo Jones</b> a la batería.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: left; margin-right: 1em; text-align: left;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIOVpb0SBYz_6hCp-XkqOV-LWlLca0K3uqWVZOHVgNYCVk2h1Wy3OHOWzwDO2yJaEkDAFSyDA4LERMBNCgPn5NzN7aAH_OBBvSPK9ZcMkAqTQQbnsQ100G9vf6gBKOMEp7bJGW830ntAo/s1600/sulieman.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhIOVpb0SBYz_6hCp-XkqOV-LWlLca0K3uqWVZOHVgNYCVk2h1Wy3OHOWzwDO2yJaEkDAFSyDA4LERMBNCgPn5NzN7aAH_OBBvSPK9ZcMkAqTQQbnsQ100G9vf6gBKOMEp7bJGW830ntAo/s1600/sulieman.jpg" height="320" width="187" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El trompetista Idrees Sulieman</td></tr>
</tbody></table>
Y con una banda de este calibre sería ilógico no ofrecer amplio espacio a cada instrumentista para demostrar su talento, así que, por supuesto, todos los componentes del grupo, disfrutan de ocasiones para desarrollar sus ideas musicales en interesantes solos, pero ya desde el corte inicial, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=xLtglv6CX4U" target="_blank">"Chant"</a>, un original de Hank Jones, parece indudable que el verdadero protagonista del disco será el saxo tenor de Hawkins. Esto es todavía más evidente en la maratoniana <a href="https://www.youtube.com/watch?v=59KMutLJ9Js" target="_blank">"Juicy Fruit"</a>, una pieza de más de once minutos escrita por Sulieman basándose en estructuras de blues, que da la oportunidad al Halcón de dejar bien claro que él es el líder de la sesión y que se encuentra plenamente a gusto en compañía de este conjunto de modernistas. Las aportaciones de Johnson al trombón, Sulieman a la trompeta y Jones al piano enriquecen un tema que se halla entre los fundamentales del disco. La pieza que cierra la primera cara del elepé, <a href="https://www.youtube.com/watch?v=Wv6GNVbgUK0" target="_blank">"Think Deep"</a>, ralentiza considerablemente el tempo, como si su cometido fuese prepararnos para lo que nos espera una vez le demos la vuelta al disco: una excelente versión de <a href="https://www.youtube.com/watch?v=xTOSuZR4feI" target="_blank">"Laura"</a>, la balada que <b>David Raksin</b> compuso para la película homónima dirigida por <b>Otto Preminger</b> y para la que <b>Johnny Mercer</b> escribiría una de sus letras más evocadoras. Hawkins prueba aquí que a finales de los años cincuenta se encontraba todavía entre los mejores baladistas al saxo tenor, y extrae toda la profundidad emotiva de la melodía de Raksin, apoyándose en una sección rítmica de enorme elegancia y ayudado por un igualmente maravilloso solo de trombón a cargo de Johnson.<br />
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<table cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmPWZtxWlSQ2s-4IU2KC1kOVcdzCzAKEqJTB4nBTz8qjbyqib9PwqhE0Zo7GDpPEhvJ1qRAsL9IWvXuX-Dmh3INOAWx1yPl5nXEiBFHXOBMNBQpKYTJD-ecEthyphenhyphenNAu-D_Wp-Jylo6aaAI/s1600/jjjohnsontrombone.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; margin-bottom: 1em; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmPWZtxWlSQ2s-4IU2KC1kOVcdzCzAKEqJTB4nBTz8qjbyqib9PwqhE0Zo7GDpPEhvJ1qRAsL9IWvXuX-Dmh3INOAWx1yPl5nXEiBFHXOBMNBQpKYTJD-ecEthyphenhyphenNAu-D_Wp-Jylo6aaAI/s1600/jjjohnsontrombone.jpg" height="240" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">El trombonista J.J. Johnson</td></tr>
</tbody></table>
La oportunidad de escuchar breves solos de guitarra y contrabajo de Galbraith y Pettiford respectivamente llega en <a href="https://www.youtube.com/watch?v=lGjfCWHOTOc" target="_blank">"Blue Lights"</a>, composición de <b>Gigi Gryce</b> que se erige en vehículo perfecto para el lucimento de todos los participantes y en la que Hawkins aparece como un músico más, esperando su turno pacientemente casi hasta el final del tema. El disco se cierra con <a href="https://www.youtube.com/watch?v=D5Y5kdSr7Ok" target="_blank">"Sancticity"</a>, la única aportación original del propio Hawkins al repertorio de estas sesiones, una pieza en la que algunos críticos han subrayado, y con toda la razón, la influencia de <b>Count Basie</b>. El álbum fue reeditado en CD en 1987 por Original Jazz Classics (ésta es precisamente la versión que me regaló mi amigo Dan), y en 2008 salió a la luz una nueva reedición dentro de la serie de la Keepnews Collection, con sonido mejorado y notas más completas, pero sin cortes extra, ya que, por lo que parece, las dos sesiones dieron como fruto únicamente seis grabaciones. Pero se trata de un fruto delicioso, un disco imprescindible que supuso el regreso de un Hawkins que en realidad jamás se habia ido, pues su presencia ha sido y será siempre ineludible dentro del mundo del jazz, pues al hablar del Halcón hablamos por derecho propio, y con absoluta propiedad, de un gigante del saxo tenor.<br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiC_mRq-Dq0wsGiXDrS0m4VjvsvwIZHvf-oBGIEGunvFT0eNu-9pyYjkuuqDIKA-zliLX3YDdiXjh_ZqRjPA9QE4V1XMKoIMywnLQDgEIBFX2AFWMly23adEDCDZ1QQkWKk0u6JXHLhP8/s1600/hawkins.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjiC_mRq-Dq0wsGiXDrS0m4VjvsvwIZHvf-oBGIEGunvFT0eNu-9pyYjkuuqDIKA-zliLX3YDdiXjh_ZqRjPA9QE4V1XMKoIMywnLQDgEIBFX2AFWMly23adEDCDZ1QQkWKk0u6JXHLhP8/s1600/hawkins.jpg" height="302" width="400" /></a></div>
<br />Unknownnoreply@blogger.com0